Zika, fiebre amarilla, dengue, chikunguña. Enfermedades que amenazan al 40% de la población mundial, para las que no existen tratamientos adecuados o vacunas. El zika ha sido la última en saltar a los medios porque los brotes en Brasil y otros países americanos muestran que su principal transmisor, el mosquito africano Aedes aegypti, ya se ha extendido por casi todo el planeta.

El Aedes aegypti infecta anualmente entre 50 y 300 millones de personas con las enfermedades antes mencionadas, y se le atribuyen unas 50.000 muertes al año entre todas las enfermedades que transmiten. Sus primos, la familia Anopheles, infectan a otros 500 millones de personas con la malaria, que causa más de 650.000 muertes al año. Para que quede claro: los mosquitos matan más humanos que el resto de especies combinadas (incluyendo los propios humanos). Y parte de la comunidad científica ha puesto sobre la mesa una idea: ¿y si extinguimos a los mosquitos?

Un problema mundial

La hembra del mosquito tigre también transmite un buen número de enfermedades tropicales, y ya se ha detectado en varios lugares de Europa.

Hasta la Segunda Guerra Mundial, el Aedes aegypti era un mosquito africano. Desde entonces, se ha expandido por más de 110 países llevando consigo enfermedades tropicales, especialmente el dengue. La Organización Mundial de la Salud reconoce que la única manera de tratar efectivamente algunas de estas enfermedades pasa por controlar los mosquitos.

Un ejemplo del problema que han causado es que hasta 2014 sólo se tenía constancia del Zika en África, el sudeste asiático y algunas islas del Pacífico. En sólo un año, se ha expandido a Sudamérica, amenaza con dar el salto a Estados Unidos -ya hay un caso en Hawái- y se han comprobado más de 80.000 casos en Brasil. ¿Dónde hay Aedes aegypti (y sus familiares cercanos, los mosquitos tigre, que también son capaces de transmitir estas enfermedades)? En España. En Italia. En Holanda. En el suroeste estadounidense. ¿Cómo controlas a una especie que se ha extendido globalmente por el tráfico de neumáticos usados, donde crean sus nidos?

Una especie que no sólo se adapta bien a climas no africanos, sino que ataca a cualquier hora del día, al contrario que los nocturnos Anopheles. Con lo que las medidas de prevención -limpieza, detección, cubrir el cuerpo, etcétera- se vuelven más ineficaces. Los insecticidas tampoco son tan útiles, porque tienen que entrar en contacto directo con los insectos. Así que si quisieras cubrir una gran zona para asegurarte de que no sobreviven, tendrías un problema adicional:

“Si intentamos erradicarlos con pesticidas, el daño al medio ambiente sería demasiado grande. Si modificamos su hábitat, tendríamos que crear desiertos para acabar con ellos. Si introdujésemos depredadores, estos también se ocuparían de otras cosas que no quieres que eliminen”.

Joseph Conlon es un entomólogo retirado de la Marina de Estados Unidos experto en la plaga. Los tres escenarios hipotéticos que plantea para la eliminación de los mosquitos tienen el mismo problema: se cargarían cualquier ecosistema en el que se llevasen a cabo. El resto de medidas antimosquitos que plantean las autoridades son caseras y tradicionales y no resuelven el problema, sólo intentan prevenirlo. Y no hay cura definitiva o vacunas aprobadas para las enfermedades que transmiten.

Sin embargo, existe al menos una organización el mundo dedicada a acabar con el Aedes Aegypti con otro arma: la ingeniería genética. El plan de Oxitec (Oxford Insect Technologies), una empresa británica con una década de vida, es crear mosquitos mutantes que se encarguen de eliminar la especie.

Una de sus armas actuales, que ya han probado con éxito en Brasil, las Islas Caimán y Panamá, es la cría de mosquitos macho con un gen defectuoso. Los machos liberados transmiten el gen a su descendencia, y éste hace que las crías mueran antes de poder desarrollarse (un poco como en Jurassic Park: son dependientes de un antibiótico que no pueden obtener en la naturaleza). Sobre el terreno, puede reducir la población de mosquitos en una localidad hasta en un 90%.

Los machos de la especie no muerden a humanos ni animales, se alimentan de azúcares de fruta. Así que soltar esta población de mosquitos modificados no aumenta el riesgo de contagio: sólo las hembras necesitan sangre para alimentar a los huevos. En pocas semanas, tanto los "padres" como los imperfectos retoños mueren.

El ciclo de vida del mosquito transgénico de Oxitec: nace, crece, muere antes de poder reproducirse o contagiar a nadie más.

Es el segundo "truco" de Oxitec. El primero fue la creación de mosquitos estériles, pero resultó ineficaz porque los insectos ponían más pegas a la hora de elegir pareja. Sin embargo, con esta táctica, los machos consiguen "ocupar" a las hembras con huevos que no van a ninguna parte. Y así la siguiente generación se reduce dramáticamente.

De momento, la solución de Oxitec es local en cada caso (hay que criar a los mosquitos modificados y liberarlos sobre el terreno, población a población), y su director ejecutivo no se plantea el escenario "inimaginable" de un mundo sin mosquitos. Pero otras voces claman por su extinción dirigida. Sería la primera vez que el ser humano extingue una especie de forma intencionada. Un argumento complicado éticamente, pero menos de lo que pensamos en el sentido ecológico.

¿Qué pasaría en el mundo si no hubiese mosquitos?

El investigador Jesse Krause se encontró con este enjambre en el Ártico, el único lugar del mundo donde los mosquitos alcanzan semejantes concentraciones.

¿Cambiaría mucho el mundo sin estas imágenes? Sorprendentemente, la revista Nature publicó un amplio reportaje hace unos años en el que la mayor parte de los expertos consultados afirmaban que la pérdida de mosquitos no sería especialmente grave para el planeta. Los vertebrados insectívoros no muestran predilección especial por estos insectos (casi cualquier otro insecto es más alimenticio que un mosquito), su papel polinizador es bastante limitado. y sólo algunas especies depredadoras muy especializadas, como el pez mosquito o unas cuantas arañas y otros cazadores invertebrados acusarían su pérdida.

Cosa que incluso podría beneficiar al entorno: el pez mosquito se emplea como control de plagas natural en acuíferos y arrozales, pero es una especie invasora altamente agresiva, incluída en la lista de las más dañinas del mundo.

Quizás el mayor problema reside en las larvas, que actúan como filtro de agua al alimentarse de hojas muertas, microorganismos y residuos orgánicos. Ahí no está claro si aparecería otra biomasa equiparable que depurase el agua de forma natural, pero tampoco se cree que tengan tanta influencia. Steven Juliano, especialista en ecología de los insectos, afirmaba en Nature que "muchos organismos cumplen esa función, y los mosquitos no son los únicos ni los más importantes. Si quitas un remache del ala de un avión, es bastante posible que éste siga volando".

El experto Conlon también hablaba en ese artículo sobre las consecuencias globales del exterminio: "si los mosquitos desapareciesen mañana, cada ecosistema tendría un pequeño hipido y seguiría adelante con su vida. Otra cosa, mejor o peor, tomaría su lugar".

¿Cuáles serían los "beneficios" para los seres humanos?

Si las estrategias de Oxitec dan fruto -esto es, erradicar mosquitos especie a especie- y extienden su campo de acción, ni siquiera hablaríamos de la extinción total de estos insectos: existen unas 3.500 especies en el mundo, de las que sólo unas 450 pican a otros animales y humanos. Muertes aparte, la OMS calcula que las regiones afectadas por la malaria pierden hasta un 1,3% de su PIB debido a la enfermedad, y eso sin contar el efecto en recursos y otros efectos positivos en los sistemas de salud de los países afectados.

Hasta ahora, la única enfermedad que hemos erradicado es la viruela, acabando con el virus. Ahora, el debate sería si es posible exterminar otras ocho enfermedades letales eliminando su único vector de transmisión. Porque, hasta donde sabemos, su única especialidad consiste en contagiar a otros seres vivos. Oxitec ya ha empezado a trabajar en una solución similar para los Anopheles que transmiten la malaria.

Foto: Muhammad Mahdi Karim

Después de media vida debatiendo si la pizza es sana o perjudicial para la salud, ahora resulta que lo peor no es el alimento en sí sino el envoltorio. Así lo vienen denunciando desde hace años varios estudios y organizaciones de consumidores en Estados Unidos, y la Food and Drug Administration (FDA) ha acabado dándoles la razón.

Con este movimiento, el país norteamericano ha prohibido el uso tres químicos de la familia de los perfluorocarbonos (PFCs), que actúan como repelentes para que las cajas no se empapen con el aceite o el agua de los alimentos. De hecho, aunque el titular se lo han llevado las cajas para las pizzas, estos químicos también se utilizan en los envoltorios de muchos otros alimentos.

¿Cuales son los productos señalados?

Los señalados son algunas variedades de sales de dietalonamina, algunos derivados del ácido pentanoico y otras cuantas variedades de perfluoroalquilos, tanto los fosfatos como las aminas. En su informe, la FDA apunta que nuevos datos que demuestran la toxicidad de sustancias similares hacen que "ya no exista una certeza razonable de que su contacto con los alimentos no cause daños".

Además de las cajas de pizza, estos componentes también son utilizados en algunos tipos de sobres de palomitas para microondas, envoltorios de pastelería, cajas de comida para llevar, platos de papel, utensilios de cocina antiadherente e incluso en varios envases de comida para mascotas. Vamos, que perfectamente cualquier persona puede ingerirlos sin darse cuenta.

El peligro de estas sustancias está en lo que se conoce como "biopersistencia", que quiere decir que nuestro organismo no las puede digerir completamente. Tras la sentencia, la prohibición de estos químicos se materializó a mediados de este mismo mes, aunque el plazo para presentar alegaciones termina el 3 de febrero.

Ya el año pasado se escenificó la batalla contra estos químicos cuando 200 científicos de todo el mundo firmaron el que se conoce como La Declaración de Madrid, en el que se pide la retirada de estos químicos que, según los estudios, pueden afectar al desarrollo fetal y de los recién nacidos, al funcionamiento de las hormonas, al hígado y a los sistemas reproductivo e inmunitario.

Aunque en Estados Unidos ya se había detenido la producción de estos tres químicos, al no estar prohibida aun había empresas que podrían incluirlos en sus cajas importadas de China o India. Como no hay leyes para indicar la composición de los envoltorios, esto hace que los consumidores en aquel país tuvieran que tener fé ciega en la buena voluntad de los fabricantes de no utilizarlos.

En Magnet hemos contactado con Telepizza y Domino's sin que nos hayan confirmado si estos materiales también se usan en España, aunque estaremos atentos para actualizar con cualquier información que nos hagan llegar.

Próxima estación, los saborizantes

Erik Olson, director del Consejo Nacional de Defensa de Recursos (NRDC) ha declarado que la decisión de la FDA es un buen primer paso, aunque sólo un primer paso, para mejorar la seguridad del suministro de alimentos estadounidense. El siguiente paso opina que debería ser prohibir otros siete químicos que también creen que podrían afectar negativamente a la salud provocando cáncer.

La FDA también ha aceptado investigar la petición de prohibir estos siete químicos, que son la benzofenona, el acrilato de etilo, el éter metílico de eugenol, el mirceno, la pulegona, la piridina, y el estireno. Se trata de saborizantes de alimentos que ya están clasificados como cancerígenos, y que de aparecer en la composición de los alimentos lo hacen con el nombre de sabores artificiales o incluso naturales.

Estos productos son utilizados en helados, dulces, productos horneados, gelatinas y bebidas. En Estados Unidos, como en muchos otros países, la utilización de productos cancerígenos está prohibida, aunque la norma no mira hacia atrás para reevaluar productos ya aceptados, y muchos fabricantes de alimentos se niegan a especificarle a las organizaciones civiles si los utilizan o no.

Pero el problema puede ser mucho más profundo. El propio Olson ha asegurado que la sentencia demuestra que en Estados Unidos hay un sistema que aprueba la utilización componentes químicos sin tener las pruebas suficientes para saber cómo le afectan a las personas. De la misma manera, también existe preocupación al no saber hasta qué punto los productos con los que se están sustituyendo a los ahora prohibidos son seguros.

Imagen | droidcon Global, crabchick y Mo Riza

Pocas ciudades han sufrido los estragos de la guerra de Siria como Homs. La urbe, que contaba con más de un millón de habitantes antes del inicio del conflicto y que representaba uno de los puntos culturales y económicos más relevantes del estado, fue el escenario de una de las batallas más encarnizadas de la guerra. Entre 2011 y 2014, la ciudad fue sitiada por las tropas de Bashar Al-Asad. Durante el cerco, la aviación del ejército leal al dictador bombardeó de forma frecuente el centro de la ciudad. Tres años después del inicio de las hostilidades, Homs era controlada en su totalidad por el régimen.

En el camino, se había convertido en una ciudad fantasma.

Las consecuencias de la guerra se pueden observar ahora de la mano de un drone ruso que ha estado sobrevolando la ciudad durante los últimos días. Las imágenes son estremecedoras, y entroncan con aquellas que ya pudimos observar, a vista de fotógrafo y de helicóptero, hace algunos años. Homs continúa siendo un lugar absolutamente devastado, símbolo de la destrucción total a la que el estado sirio ha sido sometido desde el inicio del conflicto, en cuyo origen encontramos respuesta a la nueva ola de terrorismo internacional y al drama de los refugiados, que está rasgando la Unión Europea.

A través de las imágenes, publicadas por Russiaworks.ru, observamos cómo la ciudad, ahora en manos de Al-Asad (al igual que el resto de la región que capitaliza), no ha contado con restauración alguna. Los escombros se reparten por las calles. Parece una ciudad desértica y abandonada, pero no lo está: aún vive gente, en precarias condiciones y entre los diques caídos y los edificios derrumbados. La estampa evoca aquellas de las ciudades alemanas en los últimos estertores de la Segunda Guerra Mundial.

Una calle de Homs en 2012.

En octubre, el mismo portal ruso ya publicó imágenes de otra ciudad siria devastada a causa de la guerra. Se trataba de Jobar y hablamos de ello aquí. Al igual que en Homs, aunque a menor escala, miles y miles de persona continúan viviendo entre las ruinas en Jobar, un suburbio de Damasco, la capital de Siria. Es la imagen de un país hundido.

Imagen | Freedom House

Una de las características del arte es su versatilidad y capacidad de salir de lo de preestablecido, sin necesidad alguna de justificar sus aciones. Por ello hemos sigo testigos de obras que pueden ser una maravilla para algunos, o simplemente no tener sentido para otros, donde lo interesante es la interpretación que le puede dar cada persona a cierta obra en particular.

Dentro de todo esto, existen las obras clásicas, aquellas que con el paso del tiempo se han creado una reputación y al día de hoy son valoradas por el lugar que tienen dentro de la historia del arte, que han sido una inspiración de diversas corrientes que han surgido a lo largo de los años. Pero ¿qué sucede cuando estás obras son adaptadas a un terreno al que no pertenecen, e incluso sus creadores nunca imaginaron que terminarían allí? Algo que sin duda puede ser experimento interesante.

El arte también se puede llevar en el cabello

Ursula Goff es una estilista que ha montado un pequeño negocio de cortes de cabello en Kansas, Estados Unidos, que como muchos negocios de este tipo la idea es sencilla y no requiere mucha explicación. La diferencia aquí es que Ursula es una verdadera artista cuando se trata de teñir el cabello.

Todo inicio como un simple pasatiempo, donde la experimentación en ella misma la llevó a conocer técnicas y materiales, que nunca pensó que podrían transformar de forma tan radical el aspecto del cabello. Es así como ha creado diversas series que van desde arcoíris, galaxias, fuego, océanos, joyas, hasta escala de grises e interpretaciones neón.

Pero sin duda su trabajo más importante ha sido el que veremos a continuación, donde toma una obra de arte clásico y la adapta a un tinte de cabello, creando así una representación de colores de la obra en cuestión. Esto ha provocado que los ojos del mundo hayan volteado a Kansas, donde Ursula se ha convertido en una celebridad, que actualmente participa en programas de televisión y eventos donde explica parte de su técnica para obtener una diversa gama de resultados al teñir el cabello.

• 'El Grito' de Edvard Munch

• 'La joven de la perla' de Johannes Vermeer

• 'Marilyn Monroe (Pop Art)' de Andy Warhol

• 'El nacimiento de Venus' de Boticelli

• 'El beso' de Gustav Klimt

• 'Water Lilies' de Claude Monet

• 'Red Canna' de Georgia O’Keeffe

• 'Drowning Girl' de Roy Lichtenstein

• 'La noche estrellada' de Vincent Van Gogh

Más información | Ursula Goff Vía | My Modern Met

Tengo un problema que no suelo comentar en público, porque me da un poco de vergüenza: me encantan las series, la ciencia y las películas románticas, así que llevo doce años de mi vida enganchado a Anatomía de Grey. Y cómo la odio. Los guionistas tienen la maldita habilidad de matar siempre a mi personaje favorito en cuanto me doy cuenta de que es mi personaje favorito y yo siempre pienso lo mismo: "No te lo perdonaré jamás, Shonda Rhimes ¡Jamás!".

Lo que no sabía hasta ahora es que igual tenemos cosas más preocupantes que no perdonarle. La imagen que trasladan la televisión y el cine de los profesionales sanitarios tiene, sorprendentemente, ciertas consecuencias para nuestra salud. Consecuencias que deberíamos empezar a tomarnos en serio. Así que hoy no solo toca un post viral sino que también tendremos bacterias y algún que otro hongo.

Las malas de la película

Las infecciones nosocomiales afectan a casi el 10% de los pacientes hospitalizados, aumentan la longitud de las estancias hospitalarias, la morbilidad y, sobre todo, la mortalidad de los pacientes (Burke, 2003). Son patógenos multirresistentes con los que no hay manera de acabar; de hecho, eran el monstruo de la pantalla final del videojuego de 'Érase una vez el cuerpo humano...'.

Una de las grandes batallas de los hopitales modernos es contra ellas y es indudable que hemos tenido mucho éxito. Hacia 1840, Ignaz Semmelweis estudiante de medicina que trabajaba en una clínica vienesa, observó que aproximadamente una de cada tres madres moría al dar a luz, víctima de la llamada “sepsis puerperal”. Era curioso porque era una enfermedad muy muy muy clasista y afectaba sobre todo a las clases bajas. Las mujeres de alta posición, que como práctica habitual daban a luz en sus casas, casi no se veían afectadas por esta enfermedad.

A Semmelweis esto le intrigaba profundamente. Tardó 17 años en dar con la respuesta y otros cinco para que alguien se atreviera a publicarla: las infecciones puerperales estaban causadas por los propios médicos que pasaban de las salas de disección a los paritorios sin ni siquiera lavarse las manos. Por eso afectaba especialmente a las clínicas (donde iban las clases populares de la ciudad) y no a las casas de la burguesía - donde, por lo demás, no solían tener una sala de disecciones a mano. Como os podéis imaginar, se lió la mundial. Se contaban a centenares los médicos que pensaban que Semmelweis estaba loco. Un buen grupo de ellos, de hecho, empezó a no lavarse las manos a propósito para demostrar lo peregrina de la idea.

Hacia 1854, por su lado, un médico inglés había estado estudiando un brote de cólera que había matado a más de 700 personas en un radio de 500 metros. El médico se dio cuenta de que las teorías que había hasta ese momento no funcionaban y de que la única explicación lógica era que la infección se debía al uso de una fuente de agua concreta. El descubrimiento fue tan chocante que, cuando el médico - que se llamaba casualmente John Snow - lo publicó, la comunidad médica le dijo aquello de "You know nothing, John Snow".

No fue hasta que unos años después Louis Pasteur expuso (y demostró experimentalmente) la teoría del origen microbiano de la enfermedad cuando los médicos empezaron a tomarse en serio el problema. La teoría de Pasteur explicaba tanto las ideas de Semmelwies como las de John Snow y a poco que se pusieron en práctica, los resultados fueron radicales. Desde entonces hemos avanzado mucho, pero como decíamos no hemos sido capaces de erradicarlas.

¿Cómo se transmiten las infecciones nosocomiales hoy?

De muchas formas, la verdad. Pero hoy nos vamos a centrar, como en el caso de Semmelwies, en la transmisión a través de los propios profesionales de la salud.

Las recomendaciones internacionales para reducir el riesgo de contaminación se basan en un principio sencillo: "Nada debajo de los codos". Los trabajadores sanitarios que llevan relojes de pulsera o anillos tienen una probabilidad mayor que el resto de convertirse en 'transportistas de enfermedades' (Fagernes y Lingaas, 2011). Por ejemplo, hay varios estudios que relacionan directamente el desgaste del anillo deboda con la carga bacteriana de las manos (Hoffman, Cooke y McCarville, 1985; Salisbury, Hutfilz y Treen, 1997). En general, todos los estudios dicen lo mismo, los trabajadores que usan relojes, pulseras o anillos tienen mayores recuentos de bacterias que los que no los usan. Además, y por si fuera poco, se ha demostrado que las batas blancas, especialmente si tienen las mangas largas, también presentan problemas (Treakle, Thom y Furuno, 2009). Éste es uno de los motivos por los que se están popularizando los pijamas desechables de papel en los quirófanos.

Por esto, la OMS puso en marcha el Global Patient Safety Challenge con la idea de construir una sólida cultura de la necesidad de tener hábitos y prácticas centradas en la seguridad del paciente. El mayor problema con el que se encuentran estas iniciativas es que el cambio conductual no es sencillo. Para que os hagáis una idea, el cumplimiento de las directrices de higiene (el famoso 'nada debajo del codo'), rara vez supera el 40% (Erasmus, Daha y Brug, 2010). Los intentos para mejorar las cifras no suelen ser muy exitosos ([Gould, Chudleigh y Moralejo, 2007]).

¿Un 40%? ¿Por qué pasa esto?

Hay varias teorías que explican este problema. La más popular es que las intervenciones individuales no funcionan porque este tipo de comportamientos requieren intervenciones comunitarias a nivel de servicio o de hospital y éstas son mucho más complejas. Pero sea cual sea la explicación, está claro que hay un problema. Hace unas semanas, Spierings y su equipo (2015) presentó un trabajo en el que analizaban un gran número de imágenes de uso corriente en prensa, publicidad o textos educativos. Se encontraron no solo con que el 89% de las fotos no cumplían los principios básicos de los que hablamos, sino que la mayor parte de la gente ni siquiera se daba cuenta.

Sobre esto mismo, Ponce de León (2005) sugirió que los medios de comunicación tienen un papel muy importante en el comportamiento de los trabajadores sanitarios y en la imagen que los pacientes tenemos de lo que es "un médico de confianza". Ponce de León estudió el caso de Urgencias, la mítica serie sanitaria, y analizó en qué medida se lavaban las manos los profesionales que en ella salían. Aunque hay que reconocerle el mérito (un servidor no se explica como fueron capaces de retirar la mirada de George Clooney), el resultado fue un desastre. No me quiero ni imaginar qué pasaría si alguien hiciera el mismo trabajo con 'House' o con Scrubs. Ay.

Me parece muy interesante incidir en que las series y las películas tienen papel muy importante en la educación de los profesionales pero también en la de los pacientes. Por el lado de los profesionales, se cuenta una anécdota muy divertida. Hasta que Hospital Central no alcanzó cierto éxito, era muy raro ver a médicos con el estetoscopio colgado en el cuello. De un día para otro, sobre todo en el caso de los mires que había crecido viendo la serie, se empezó a poner tan de moda como las barbas en su barrio moderno favorito. Por el lado de los pacientes, pasa algo parecido. Hay estudios que demuestran que los médicos vestidos de calle producen menos estrés que los médicos vestidos de pijama, por lo que los pacientes tienden a preferir a los primeros aunque, como vemos, sea mucho peor.

Cuando hablamos del impacto del arte en la sociedad siempre tendemos a irnos hacia los extremos. Pero es en los cambios sutiles donde el arte, la literatura o la música se dejan notar con más fuerza. Como en el caso de la lucha contra el tabaco, no debemos minusvalorar el papel que estas expresiones tienen en la construcción del imaginario popular. Así que cada vez que veamos una serie de médicos, seamos críticos y recordemos las infecciones nosocomiales están en los detalles.

La Super Bowl, la final de la liga profesional de fútbol americano, es el evento más visionado de la televisión estadounidense: más de 114 millones de personas siguieron el partido el año pasado. Es decir, más de uno de cada tres habitantes del país, de cualquier edad. Con un 40% de público femenino. Y con cuatro millones más enganchados al show de Katy Perry del año pasado.

Son cifras mareantes para el común de los mortales, pero codiciadísimas para los anunciantes, dispuestos a pagar más de 4.000.000 millones de euros por un espacio de 30 segundos. Y eso el año pasado: para este año se piden 4,5 millones de euros por medio minuto. Con anuncios preparados exclusivamente para el evento, que se presentan días o semanas antes. Y espectáculos que cambiaron para siempre la historia de la televisión y nos dejaron memes inolvidables.

¿Fue siempre así?

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No, en 1967 no había grandes estrellas sobre el césped ni tíos dentro de un disfraz de tiburón olvidando coreografías. La animación corría a cargo de bandas de músicos y majorettes universitarios, mientras los equipos de dos ligas distintas, la AFL y la NFL, se enfrentaban por el "título mundial". Ni siquiera se llamaba Super Bowl.

Pero las cadenas se olieron que estaban ante algo grande. ¿Cadenas, en plural? Sí, porque la NBC tenía los derechos para todos los partidos de la AFL, mientras que CBS tenía los derechos para la NFL. Si dos ligas se enfrentaban, lo lógico es que las dos lo convirtiesen en un evento nacional de primer orden. Lo que no quita que cada una ingresase por sus propios anuncios y que hubiese una guerra declarada entre ambas, hasta el punto de que hubo que levantar una valla física entre sus unidades móviles para que los empleados de cada cadena no saboteasen a la contraria durante la retransmisión o los fastos previos.

Y eso que no se pedían las millonadas de ahora. Las cadenas tasaban el espacio de 30 segundos en unos 40.000 dólares. Que, si tenemos en cuenta la inflación, nos sale a algo más de 287.000 dólares (unos 262.000 euros) al cambio actual. Es decir: casi 20 veces menos de lo que cuesta hoy un espacio publicitario en la Super Bowl. Y algo más de lo que costaba en su mejor momento el anuncio de las campanadas de fin de año en TVE.

¿Y el espectáculo?

Tardó en llegar. En 1969, la tercera final mundial se convirtió en la primera Super Bowl (aunque retroactivamente se la denomine Super Bowl III). La NBC recogió el testigo televisivo, pero el show prepartido seguía siendo convencional: bandas universitarias y músicos sinfónicos se encargaban de amenizar el evento. El precio por anuncio alcanzaría hoy unos 400.000 euros actuales. El año siguiente, el evento se volvió cósmico: los astronautas del Apolo XII hicieron acto de presencia, la cantante Carol Channing ofreció un show temático y el espectáculo comenzó a tener cierta importancia.

En 1978, la cancelación de un torneo de golf hizo que la CBS tomase la decisión de montar un show televisivo propio antes del partido, la primera Super Bowl emitida en prime time. Las cadenas habían presionado para llevar el encuentro al horario de máxima audiencia, con los anuncios cotizándose a unos 650.000 euros actuales (185.000 dólares de la época).

Sin embargo, fue Apple la que hizo que las cosas cambiasen para siempre.

El mítico anuncio de lanzamiento del Mac, "1984", se convirtió en el protagonista del partido. Apple jugó la baza de contar con un director estrella -Ridley Scott- y asociarlo a un producto revolucionario que salía a la venta el día después de la Super Bowl. Steve Jobs había destrozado el concepto de publicidad en la Super Bowl. No tanto por el precio de los anuncios, sino por la idea de crear una pieza única y exclusiva para el partido. El resto de marcas no podían quedarse atrás, para regocijo de las cadenas, que ya estaban cargando 400.000 dólares, cerca de un millón de euros actuales.

Y no sólo en las televisiones. Cinco años después, Coca-Cola montó un espectáculo holográfico con gafas 3D repartidas entre los espectadores para disfrutar de un número musical futurista. Dentro y fuera del campo, la Super Bowl ya no era un partido: era la culminación de estrategias tan caras como eficaces.

¿Cuándo aterrizan las grandes estrellas?

En 1991 la actuación de New Kids on the Block sirve para conmemorar la edición número XXV del encuentro. Es un aperitivo, la semilla de que se puede hacer algo más que bailes holográficos o invitar a Billy Joel a cantar el himno. Eso son cosas de los 80. El 31 de enero de 1993 el espectáculo se convierte en protagonista. Un puñado de tíos peleando por un escurridizo trozo de cuero son la excusa para que el Rey del Pop provoque el mismo cambio que Apple había conseguido en 1984:

La actuación de Michael Jackson se convirtió, en su momento, en uno de los espectáculos más vistos de la historia de la televisión. Llevó a la Super Bowl a niveles de audiencia sin precedentes e hizo que todos -patrocinadores, liga y cadenas- se esforzasen en repetir el hito: Diana Ross, Stevie Wonder, Gloria Stefan, James Brown, ZZ Top... La lista de actuaciones en los 90 intentaba emular el éxito de Jacko.

Pero no dieron con la tecla hasta el año 2000. Anunciarse en la televisión a estas alturas costaba casi tres millones de dólares actuales y había que garantizar que tendrían retorno: Disney se encargó de producir un show en el que viejas glorias como Tina Turner o Phil Collins compartían escenario con talentos como Toni Braxton o nuevas estrellas como Christina Aguilera y Enrique Iglesias, apoyados en un coro de 80 personas. Ni un espectador sin reclamo, ni un grupo social sin verse atraído por lo que estaba pasando.

¿Sirve para algo anunciarse en la Super Bowl?

Este gráfico muestra la evolución de los precios de los anuncios en la Super Bowl desde 1967 hasta nuestros días. Año a año, el precio ha ido subiendo imparable. Una presión que ha llevado a varias marcas a salirse del juego, incapaces de invertir tanto dinero -el de emisión más el de producción de un anuncio "exclusivo" del que se espera más que de cualquier otra pieza a lo largo del año.

Pero hay que estar. Forbes entrevistó a una docena de grandes ejecutivos de la industria de la publicidad, y todos coincidían: sale rentable. No sólo por posicionamiento de marca y hasta por picos demostrables en ventas, sino por la cantidad de audiencia bruta que sólo se puede alcanzar en un tiempo muerto del partido.

"Es una audiencia nacional, que trasciende los grupos demográficos y tiene un 40% de audiencia femenina entre sus más de 110 millones de espectadores. El partido ofrece un escaparate único"

La conclusión que daba uno de estos directivos a Forbes hace un par de años es que no hay límites al precio que pueden demandar las cadenas, que en unos años podría alcanzar los 10 millones de dólares... Por 30 segundos de fama.

La teta que cambió la tele

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Justin Timberlake y Janet Jackson se plantaron en la Super Bowl a montar el numerito y se les fue de las manos. Literalmente. Ante 90 millones de espectadores. CBS recibió tantas quejas por la "indecencia" como revisionados tuvo el momento en todas partes. El Tetagate tuvo consecuencias, aparte de la multa de medio millón de dólares que tuvo que pagar CBS: desde entonces, ninguna cadena de televisión emite la imagen en directo, reservándose un retraso de varios segundos para evitar nuevos descoques. El directo dejó de existir ese día.

Y los implicados prometieron que la MTV, productora del show, jamás volvería a participar en el espectáculo.

Eso sí, ni el retraso pudo evitar que M.I.A le robase el protagonismo a Madonna en 2012 con una peineta que también dio que hablar:

Para este año se esperan a Coldplay y Beyoncé (que repite), y suenan los nombres de Rihanna y Bruno Mars. El show lo produce Pepsi y la Super Bowl ya ha tenido su primera polémica: a la asociación animalista PETA le han tumbado un anuncio por pasarse de la raya. Ni siquiera cinco millones de dólares han bastado para que las cadenas pierdan el miedo a la desnudez o cualquier cosa que pueda ofender a más de 150 millones en todo el mundo.

Las drogas, esto lo sabe todo el mundo, hacen con nuestro cerebro encaje de bolillos. Sin ir más lejos, se acaba de publicar un nuevo estudio que apunta a que el consumo de cocaína a largo plazo produce cambios en las áreas cerebrales responsables de regular la impulsividad y la capacidad de analizar nuestras propias decisiones. Todo en orden, ninguna sorpresa.

Lamentablemente, tanto la adicción a las drogas como el funcionamiento del cerebro son fenómenos complejos, individuales e intransferibles. La mayor parte de las veces, este tipo de estudios son usados de forma poco crítica y causan gran confusión. Por eso, nos hemos preguntado, ¿Es la historia tal y como nos la cuentan? ¿Podría haber escogido una foto más estereotipada para ilustrar este post? ¿Cuál es el efecto real de las drogas en el cerebro y en la vida de sus usuarios?

¿Qué hace realmente la droga en nuestro cerebro?

Aunque cada droga actúa de una forma distinta, podemos decir que existe un consenso bastante extendido en que la dopamina tiene un papel clave en las adicciones. Concretamente, un chute de dopamina en el sistema de recompensa del cerebro parece ser la respuesta neuronal básica relacionada con las adicciones.

No solo con las adicciones, claro. Estos chutes ocurren en la vida diaria para regular respuestas como la curiosidad o la expectación ante las cosas nos suceden. Por ejemplo, cuando alguien nos da un regalo que no esperamos, la dopamina actúa sobre los circuitos de recompensa y nos sorprendemos. Este es el funcionamiento normal. El problema es que hay sustancias que nos engañan. Productos como la cocaína (directamente) o la nicotina (indirectamente) inician esos chutes de dopamina por su cuenta, haciéndonos creer que ha pasado algo digno de despertar nuestro interés, curiosidad o felicidad.

Ni todas las sustancias tienen esta capacidad de engañar a nuestro cerebro (no se puede ser adicto a internet por muchos titulares que leamos), ni todas las sustancias son tan 'recreativas' como otras (Por ejemplo, la morfina y la heroína, siendo primas hermanas, no tienen el mismo poder 'eufórico'): lo que hace que una sustancia sea considerada una droga no es pues lo divertida que es, sino lo capaz que es de engañarnos.

No les presentes las drogas a tus padres

Ya sabemos que las drogas son un poco mentirosas. Pero además tienen otros problemas: muchas de ellas tienen efectos metabólicos y neurotóxicos problemáticos. Y no, no hay que irse a la cocaína, el alcohol mismo puede tener efectos muy serios a largo plazo. No obstante, no debemos confundirnos. Estos problemas se suman (y se suelen confundir) con los derivados de un cierto estilo de vida: los problemas médicos, la mala alimentación o las conductas de riesgo reiteradas que desarrollan los adictos. Estos son los problemas más preocupantes y peligrosos.

Aun así, no deberíamos minusvalorar los primeros. En la investigación con la que arrancaba el post, se examina una posible consecuencia neuropsicológica del abuso de la cocaína. El estudio, publicado en Addiction Biology, reclutó a 30 personas con adicción a esta droga para participar en un juego de azar, básicamente consistía en adivinar el número que iba a aparecer en una pantalla. Si se acertaba, ganaban dinero; si fallaban, perdían. Los investigadores midieron mediante técnicas de neuroimagen qué cambios funcionales ocurrían en el cerebro.

En comparación con los participantes que no consumían cocaína, los individuos drogodependientes mostraron una mayor actividad en el sistema de recompensa. De hecho, esa mayor actividad era independiente de si la persona ganaba o se perdía en el juego. Además de esto, los investigadores encontraron algunos patrones anormales de actividad en zonas asociadas con la evaluación de los resultados de las decisiones. Los investigadores sugieren que la cocaína tiene efectos degenerativos importantes en estas áreas cerebrales. No se puede descartar, pero hay otra explicación.

No somos (sólo) un cerebro con piernas

Con las drogas y con el cerebro pasa como con Romeo y Julieta. Mientras todos pensábamos que era una historia sobre una joven pareja de enamorados que disfrutaban de una relación trágica, disfuncional y con un puntito satirón; nuestro profesor de literatura nos explicó que en realidad era una sesuda reflexión sobre la sociedad isabelina y los profundos cambios sociales que desembocarían años después en la Guerra Civil Inglesa.

He tendio la tentación de decir que tanto las drogas como el cerebro son lo de menos como en Romeo y Julieta; pero no sería verdad. En este caso, el cerebro es importante, sí; la droga es importante, también. Pero lo realmente importante es la interacción entre las dos cosas, el contexto y la historia del sujeto.

Como nos explica el psicólogo Carlos Moratilla, "el ambiente o entorno importa mucho". Entre 1978 y 1982, Bruce Alexander realizó una serie de experimentos conocidos como "Rats Park" (1978, 1981, 1982). Alexander y sus colaboradores crearon ambientes estimulantes en los insertaron a las ratas y les dieron a elegir si querían tomar agua o morfina. En comparación con las ratas alojadas en cajas de experimentación típicas, las ratas del ambiente enriquecido preferían en mayor medida agua que morfina. «Alexander hipotetizó que la disponibilidad de estimulación apetitiva y reforzante reducía el interés de las ratas por la morfina. ¿Podríamos extrapolar esta explicación al caso humano y a la relación entre determinados contextos empobrecidos y consumo problemático de drogas? Posiblemente sí», dice Moratilla.

Es decir, si la estimulación que provoca la droga en el cerebro es muy parecida en todas las personas, ¿Por qué unas se convierten en adictas y otras no? A esto el profesor José César Perales responde que «probablemente, lo que ocurre es que el ambiente enriquecido facilita incertidumbre, esto es, posibilidades de explorar y encontrar reforzadores inesperados. Creo sinceramente que la naturaleza dinámica y cambiante de los ambientes enriquecidos y lo posibilidad de descubrir reforzadores inesperados es lo que reduce el poder adictivo de las drogas». En la investigación que nos ocupa, la respuesta puede estar ahí también: los adictos viven en entornos muy pobres. Un juego estimulante tiene un mayor efecto en sus sistemas de recompensa que en los de personas sin adicción.

Pero más allá de esto, la correlación entre entornos poco estimulantes y la drogodependencia debería hacernos reflexionar sobre la concepción social que tenemos de la droga. Cada vez que hablamos de lo que las drogas hacen al cerebro deberíamos tener en cuenta que no somos solo cerebros con piernas y que no es nuestro cerebro el que se vuelve adicto sino todo nuestro mundo. La pregunta relevante no es, pues, "¿Qué hace la droga a nuestro cerebro?" sino "¿Cómo permitimos que haya mundos tan pobres en los cuales las drogas son la mejor opción?".

Imagen | Wiley, JD Hancock, Jason Rogers

¿Qué tres cosas os llevaríais a una isla desierta? Seguro que alguna vez os han hecho esa pregunta: quizás en un aburrido viaje en autobús, en una tarde de juegos o incluso en una entrevista de trabajo. Piénsalo un poco: ¿qué cosas son imprescindibles para ti? ¿qué sería lo que salvarías?

Más o menos en una situación similar se encuentra parte de la población de Estados Unidos desde que se desató la tormenta Jonas: al saber que deberían permanecer en sus casas durante un tiempo indeterminado, cómo no, cuandió el pánico (aunque en Norteamérica están acostumbrados a este tipo de situaciones) y los supermercados sufrieron las consecuencias.

Nutricionalmente hablando, ¿qué necesitamos?

Las conservas en tarro o en lata son una buena opción para conservar frutas, verduras y pescados.

Por supuesto, depende de cuál sea la emergencia que vamos a encarar: no es lo mismo prepararnos para una tormenta de nieve que puede durar a lo sumo una semana, que prepararnos para una contingencia mayor, como una guerra. También debemos valorar el tiempo que tenemos para prepararnos: la mayoría de las veces son situaciones que no se pueden prever y en las que vamos al supermercado más cercano a toda prisa.

Aunque el cuidado de la dieta en este momento no sea una prioridad, sí conviene escoger alimentos que nos ayuden a cubrir las necesidades de macronutrientes (hidratos de carbono, grasas y proteínas) de nuestra dieta. Allá van unas ideas de alimentos y productos de cada tipo que podemos almacenar:

• Alimentos y productos ricos en hidratos de carbono: arroz, cereales, fideos, galletas, frutos secos, barritas energéticas altas en hidratos, azúcar.

• Alimentos y productos ricos en proteínas: carne deshidratada, conservas de atún o caballa, fiambres envasados al vacío (pueden durar hasta 45 días), barritas energéticas altas en proteínas, legumbres envasadas (lentejas, garbanzos...).

• Alimentos y productos ricos en grasas: el aceite sería lo más práctico a la hora de conservar y almacenar. También los frutos secos son ricos en grasas.

Quizás este es un buen momento para recordar uno de los productos estrella del año pasado y sobre el que hemos hablado bastantes veces: la comida en polvo como el Soylent o Joylent puede servirnos para estas situaciones de emergencia. Fácil almacenaje, fácil transporte, fácil preparación y digestión y un aporte equilibrado de macronutrientes: una opción a considerar para períodos cortos de tiempo.

Entonces, ¿qué compramos en caso de emergencia? Los nutricionistas responden

Las legumbres secas o en conserva han sido las ganadoras absolutas entre los nutricionistas

Como no queremos que una emergencia como un posible holocausto, una espectacular tormenta de nieve (poco probable este año, pero ¡eh! la posibilidad está ahí) o incluso un ataque de un Godzilla patrio os pille desprevenidos, hemos consultado a cuatro nutricionistas para que nos cuenten qué es lo que se llevarían ellos a casa.

Ellos son los profesionales en materia de nutrición y, valorando que tengamos que estar unos cuantos o muchos días sin pisar la calle, estas son sus recomendaciones para la lista de la compra.

Gabriela Gottau, de Vitónica

Gabriela es dietista-nutricionista en Argentina y colabora con nuestra web Vitónica, donde nos da consejos sobre comida sana, aporta recetas muy interesantes y nos mantiene al tanto de las últimas novedades en el campo de la nutrición.

"En caso de emergencia lo primero que llevaría a mi casa serían alimentos con larga duración y fáciles de consumir, es decir, que se puedan ingerir sin demasiado más. Así, escogería conservas de legumbres varias, de alto valor proteico y listas para consumir, y también ricas en vitaminas y minerales que protegen el sistema de defensas.

También optaría por algunos alimentos no perecederos como arroz o fideos secos en caso de que pueda cocinar sino cereales de desayuno o semejantes que se encuentran listos para consumir.

Enlatados de pescados y carnes también escogería y huevos que ofrecen proteínas de calidad y son de larga duración".

Lucía Martínez, de Dime qué comes

Lucía es dietista-nutricionista, y comparte información en su blog Dime qué comes. Ella nos da la visión de lo que debería llevarse una persona vegetariana a casa en caso de emergencia leve, como una tormenta de nieve. ¿Qué compramos si no queremos comer carne ni pescado?

"A mi me toca la parte difícil, ¿qué se llevaría casa un vegetariano en caso de emergencia? Pues optaríamos por alimentos que ocuparan poco espacio y fueran densos en nutrientes, y que tuvieran buena conservación: las barritas energéticas serían una buena opción, los frutos secos, la fruta desecada (dátiles, orejones, higos, pasas...), también legumbres cocidas en conserva y chocolate negro. Así mismo algún pan integral tipo biscotte (por su poco peso y larga conservación) podría ser útil. También aceite si pudiéramos.

También sería buena idea hacer acopio de conservas de verdura (tomate, pimientos, espárragos...), verdura deshidratada de la que se usa para hacer sopa, cebollas y patatas, que se conservan bien, así como manzanas y naranjas que son bastante resistentes. No sería mala opción tener en la despensa algún paquete de proteína vegetal en polvo para hacer batidos con agua si fuera necesario.

Juan Revenga, de El nutricionista de la general

Juan Revenga es dietista-nutricionista, escribe en su blog El nutricionista de la general y colabora con muchos medios dando su opinión como experto en temas de nutrición. Hemos tenido una muy interesante conversación telefónica en la que Juan me ha comentado que para él existirían dos tipos de emergencia: "una hecatombe mundial y una contingencia menor, y las medidas a tomar serían distintas en ambos casos".

"En caso de hecatombe mundial el concepto de dieta equilibrada pasaría totalmente a un segundo plano: lo que prima en ese momento es la supervivencia, así que optaría por comprar alimentos de larga caducidad, o que directamente no caducan. Serían latas de conservas que pueden durar entre cinco o seis años o alimentos no perecederos como el arroz o las legumbres, que con unas determinadas condiciones de conservación aguantan bastante bien.

Puede sorprender, pero compraría azúcar: se supone que estamos en una situación en la que lo más importante es no desfallecer, y el azúcar es fácilmente transportable y difícilmente se echará a perder. Incluiría también comida muy energética como galletas y barritas y, con el fin de diversificar la dieta, conservas de frutas y verduras. Solo en caso de hecatombe mundial recomiendo un multivitamínico, pero no para una emergencia menor.

En un escenario de contingencia menor sí que optaría por alimentos más perecederos que se pudieran almacenar y guardar fácilmente. Incluso podríamos adquirir alimentos frescos para preparar nuestras propias conservas (si tenemos el tiempo y los medios necesarios): productos de matanza que se guardan en aceite, salmueras... Son métodos de conservación de la comida que se han demostrado útiles a lo largo de los años".

Aitor Sánchez, de Mi dieta cojea

Aitor es dietista-nutricionista y tecnólogo alimentario que escribe, entre otros medios, en su blog Mi dieta cojea. Colabora periódicamente en Radio 1 de Radio Nacional de España, en el programa Esto me suena.

"En estas situaciones priorizaría la elección de alimentos no perecederos, que ocupase poco espacio y con interés nutricional. Los cereales y legumbres secas puede durar años, por lo que son una gran elección. Huevos para el primer mes, en adelante las conservas y las latas serían el siguiente paso, ya que a base de latas y botes podemos tener una gran variedad alimentaria de verduras, pescado, carne e incluso fruta.

El factor más limitante es saber si hay disponibilidad de agua. Si hay servicio hídrico, con una despensa llena podemos aguantar tanto como su capacidad".

¿Cuáles son las recomendaciones oficiales?

Los alimentos enlatados y las preparaciones en polvo: los más recomendados por las autoridades

Hemos consultado el manual de la FEMA (la Agencia Federal para el Manejo de Emergencias de Estados Unidos) para comprobar qué es lo que nos dicen las autoridades que debemos guardar en nuestras despensas en caso de emergencia. En un país como Estados Unidos donde, por desgracia, sufren tormentas de nieve, terremotos o huracanes a menudo están acostumbrados a lidiar con estas condiciones, aunque sea por pocos días.

El mentado manual es un documento curioso donde nos dicen qué debemos almacenar, cómo almacenarlo y cada cuánto tiempo renovarlo en el caso de productos perecederos. Los alimentos a los que se da prioridad, sobre todo si tenemos que comprar rápidamente y no disponemos del tiempo necesario para hacer una planificación, son los alimentos enlatados y las mezclas en polvo. Deben ser alimentos que, además de ser de nuestro gusto (levantan el ánimo y brindan una sensación de seguridad) sean de alto contenido calórico y nutritivo, y que no necesiten una preparación especial.

El documento nos habla también de cómo almacenar agua en caso de emergencia y de cómo, a diferencia de la comida, el agua no se debe racionar: hay que beber lo que se necesite cada día y luego ir a buscar más. Podemos reducir nuestra necesidad de agua y también de energía si limitamos nuestra actividad y nos mantenemos frescos.

Los grandes expertos: los militares

Ellos son los mejores en materia de supervivencia, como bien me recordaba Juan Revenga, uno de nuestros expertos consultados y que nos dará su opinión más adelante. Los militares están acostumbrados a llevar consigo raciones personales que les puedan mantener con vida en el campo de batalla o en caso de realizar determinadas maniobras.

¿Qué es lo que llevan exactamente estas raciones? En el blog Por tierra, mar y aire de Esteban Villarejo nos desgranan perfectamente una ración de comida de las Fuerzas Armadas Españolas: además de utensilios varios como un hornillo o cerillas, vamos a la comida, que es lo que nos interesa. 100 gramos de pan/galleta, 200 gramos de magro de cerdo cocinado, 195 gramos de ensalada campera de bonito, sobre de sopa de pollo instantánea con pasta, una tarrina de 50 gramos de crema de manzana, dos pastillas defatigantes de 6 gramos con glucosa, carnitina y arginina y una pastilla de vitamina C.

Este es el menú de comida número 5 concretamente, pero hay uno diferente para cada día y para cada comida (desayuno, comida y cena): en otros menús el plato principal alubias con chorizo o garbanzos guisados. Como veis el menú está formado por comida en lata y pastillas: energía fácil de transportar, de repartir y de almacenar, que es lo que debe primar en una situación de emergencia.

Como curiosidad os contamos que estos menús de campaña deben estar realizados con ingredientes nacionales como materia prima, y que recibieron el aprobado de Sergi Arola y de sus estrellas Michelín.

Pan, huevos y leche: los alimentos estrella de los estadounidenses

No son los alimentos ideales para una emergencia, pero nos pueden reconfortar a nivel psicológico

Hace unos días, The Atlantic publicaba este artículo en el que se habla de los alimentos preferidos por los norteamericanos a la hora de hacer acopio de comida frente a una emergencia. El pan, los huevos y la leche ganaban por goleada, sin ninguna duda, y no solo en un determinado estado, sino en todo el territorio en general.

Parece una elección un tanto extraña si estamos pensando en supervivencia; desde luego no sería mi primera opción si supiera que voy a tener que pasar un número indeterminado de días sin salir de casa y, quién sabe, quizás sin electricidad.

Pero después de preguntar a los expertos no parece una elección tan descabellada: algunos creen que asociamos esos alimentos al calor y sentimiento de hogar, de un lugar donde nos sentimos seguros. Otros piensan que adquirir alimentos que no van a durar mucho tiempo es una forma de autoconvencernos de que la tormenta pasará pronto y podremos regresar a nuestra vida normal.

En resumen: decidimos más con nuestro corazón o con nuestros sentimientos que con nuestra cabeza. Incluso en los momentos en los que es necesario mantener la cabeza fría.

Imágenes | iStock, Pixabay
En Magnet | La paleodieta es un mito

La victoria de los nazis en la Segunda Guerra Mundial es, desde el mismo final de la contienda, la ucronía más debatida y discutida de todas cuantas hayan existido. Pero no es la única, y las posibilidades en un campo tan prolífico como la imaginación humana son infinitas. ¿Qué hubiera pasado si el Imperio Romano jamás hubiera caído? ¿Y si la Armada Invencible no hubiera sido arrasada por una tormenta frente a las costas británicas? ¿Qué sería de la península si los reinos cristianos jamás se hubieran impuesto a los musulmanes?

Son preguntas cuyas respuestas sólo son lo que nosotros queramos de ellas, más o menos elaboradas. Y eso es lo fantástico de las ucronías.

A día de hoy, no existe ucronía con mayor reconocimiento popular que The Man in the High Castle (El hombre en el castillo), novela de Philip K. Dick adaptada ahora por Amazon* para televisión. Al margen del valor audiovisual de la serie, ha puesto sobre la mesa, una vez más, una de las muchas teorías sobre las consecuencias de una potencial victoria alemana en la Segunda Guerra Mundial. En este post analizamos cuáles fueron aquellos planes y qué había de factible en las ideas de Hitler para el mundo post-conflicto. Hoy, optaremos por la imaginación pura, y buscaremos otras ucronías de igual valor y fantástico resultado.

La monarquía hispánica sí invade Inglaterra

Pocos acontecimientos han gozado de mayor mitología que la expedición de la Armada Invencible de Felipe II. A menudo se malinterpretan sus hechos y se obvia su contexto, caricaturizando el ataque, los motivos y las causas de su fracaso. Sea como fuere, en Ruled Britannia, Harry Turtledove opta por teorizar sobre una hipotética victoria española en las costas británicas. ¿Resultado? Felipe II gobierna las islas, depone a Isabel I y logra poner fin de forma anticipada a la larga guerra que España e Inglaterra afrontaron durante la recta final del siglo XVI. Entre tanto, la trama se centra en Shakespeare y Lope de Vega como protagonistas.

Las posesiones de Felipe II en el supuesto de Britania Conquistada.

De haber sucedido, la monarquía hispánica habría sumado otro territorio más a su vastísimo imperio. De forma más relevante, Felipe II habría terminado con uno de sus principales enemigos. Por aquel entonces, Inglaterra ejercía de potencia lateral en el gran marco de los estados europeos, pero servía de importante apoyo a las Provincias Unidas (en el contexto de la costosísima y finalmente fracasada Guerra de los 80 años) y amenazaba la hegemonía comercial de la monarquía hispánica en el Atlántico. No está claro que la intención de Felipe II fuera la de conquistar el reino, pero sin duda sí terminar con el reinado de Isabel I.

¿Viabilidad? Escasa. La monarquía hispánica habría tenido serios problemas logísticos y financieros para dominar aún otro territorio abiertamente hostil a su gobierno. Desde un punto de vista militar, la victoria de la expedición se mostró igual de compleja. Al año siguiente, Inglaterra trató de hacer lo propio con la Invencible Inglesa, y fracasó en sus mismos objetivos de un modo semejante. Una invasión a gran escala por mar era demasiado difícil.

Los dinosaurios no se extinguen

Es la premisa de Al oeste del edén, el primero de los tres libros escrito por Harry Harrison sobre un hipotético pasado (y futuro) donde la extinción masiva del Cretácico-Terciario jamás tiene lugar. Los dinosaurios, por tanto, sobreviven hasta convertirse en la especie dominante del planeta durante milenios. ¿Cómo? Evolucionando en una especie de reptil inteligente y en plenitud de desarrollo llamado Yilanè, capaz de establecer sociedades complejas y de utilizar tecnologías avanzadas. Sin embargo, no pueblan todos los continentes.

Un Aigialosaurus bucchichi, una especie de mosasaurios. La raza de reptiles inteligentes descrita en Al oeste del edén desciende directamente de los mosasaurios.

Por algún motivo, los Yilanè dejaron de habitar las tierras de América del Norte, donde una suerte de ser humano llamado Tanu, descendiente del mono del Nuevo Mundo, se asienta y establece. El libro narra el intento de los Yilanè de colonizar las tierras americanas y el choque natural con los menos desarrollados Tanu, cuya sociedad se asemeja a aquellas de la Edad de Piedra tardía. Lo interesante aquí, claro, es el universo de ciencia ficción donde el ser humano ha de competir con una especie superior por espacio y recursos.

España no pierde Cuba en 1898

Otro desastre naval nos devuelve a España y a sus múltiples, ya sean noveladas o no, ucronías de un futuro imposible. En este caso acudimos a la Cuba colonial y finisecular de la mano de Pedro A. García Bilbao, que glosó la hipótesis en Fuego sobre San Juan. En el libro, el desastre de 1898, elemento central a la vida cultural y política de la convulsa España de principios del siglo XX, jamás tiene lugar, dado que la armada española logra imponerse a la expedición estadounidense. De este modo, retiene Cuba, Puerto Rico y Filipinas.

El Reina Mercedes, uno de los buques hundidos por los americanos en Cuba. Posteriormente, pasaría a formar parte de la armada norteamericana, tras haber sido reparado.

De nuevo, la mitología envuelve a la historia. Un lugar común es referirse a los "barcos de madera" españoles frente a los "barcos de acero" norteamericanos, poniendo de manifiesto la decadencia tecnológica y militar de España frente a la potencia naciente. Al contrario de lo que la leyenda cuenta, lo cierto es que, como glosó de forma estupenda Jaime Pérez-Llorca en La estrategia del desastre, los barcos españoles estaban a la vanguardia militar de la época, y no eran inferiores a los norteamericanos. En el plano terrestre, las tropas americanas eran menores en número. La expedición estadounidense fue, de hecho, temeraria.

¿Qué sucedió? Errores estratégicos monumentales del alto mando que, entre otros, obligó a los barcos españoles a abandonar la bahía de Santiago mientras eran alcanzados de forma inmisericorde por los buques americanos, cuya espera resultó letal a la salida de la bahía. Con todo, Estados Unidos ganó la guerra sin haber conquistado ni San Juan ni La Habana, capitales coloniales. Aquí la viabilidad de la ucronía no es tan utópica. Su narración de las consecuencias, sin embargo, donde la no debilitada España evita la Primera Guerra Mundial, sí entra de pleno en el terreno de la ciencia ficción especulativa.

Los estados confederados del sur ganan la guerra

Y sobreviven.

Es una de las historias alternativas más recurrentes de la historia americana, en la que también participan algunos de los autores citados antes como Harry Turtledove o Harry Harrison. Incluso políticos como Newt Gingrich han escrito novelas en las que las tropas de la Unión son derrotadas por las confederadas en la batalla de Gettysburg, permitiendo, de este modo, la supervivencia de un segundo estado independiente en los actuales Estados Unidos. La mayor parte de ellas se basan en esa premisa.

El mundo de Bring The Jubilee. En gris oscuro, los Estados Confederados del Sur, en plena expresión de su prosperidad imperial. En azul, los Estados de la Unión. En rojo, el Imperio Británico. En verde claro, la Unión Germánica.

Uno de los libros más entusiastas en su ucronía es Bring the Jubilee, escrito en 1953 por Ward Moore. En él, los Estados Confederados del Sur no sólo logran que Estados Unidos reconozca su existencia, sino que obtienen algo más de territorio (ganando Washington y Baltimore) y se expanden hacia América del Sur, aplicando una política colonial e imperialista. Llegado el momento y durante los primeros compases del siglo XX, los Estados Confederados del Sur son la principal potencia mundial, en abierta competencia con la Unión Germana, una suerte de imperio formada por Alemania y Austria-Hungría.

¿Viabilidad? Escasa. Un resultado final de Gettysburg sí entra dentro de la hipótesis histórica, pero el imperio sureño posterior es pura fantasía.

El Imperio romano llega hasta nuestros días

Es la hipótesis manejada por Robert Silverberg en Roma Eterna. Por un lado, el fracaso de Moisés en su empresa provoca que la minoría étnica hebrea permanezca como tal dentro del Antiguo Egipto, y que el cristianismo, por tanto, jamás nazca ni se expanda hasta el corazón del Imperio Romano. Por otro, la colaboración mutua entre el Imperio Romano de Oriente y el Imperio Romano de Occidente permite frenar las invasiones bárbaras y logra que ambas formas de estado pervivan, negando uno de los acontecimientos históricos más importantes para explicar la historia de Europa.

Imperio Romano, año 2012.

Como consecuencia, el resto del imperio se desarrolla de forma semejante a la historia de la humanidad. Progresivo crecimiento y desarrollo tecnológico y perfeccionamiento del sistema político, con evidentes paralelismos como la era de los descubrimientos y el inicio del revolucionismo político en el siglo XIX, llegando hasta la exploración espacial. ¿Podría haber sucedido? Difícil: las propias dinámicas internas del Imperio Romano provocaron su caída. Su fin fue estructural y no fruto de un hecho concreto, de modo que la posibilidad de que la historia cambiara depende de muchos más improbables factores.

La peste negra ha acabado con Europa

Tiempos de arroz y sal propone un escenario histórico donde el predominio del hombre blanco europeo (y por tanto cristiano) ha sido relegado a la anécdota. La peste negra, la peor epidemia que el continente ha sufrido en su historia y que acabó con la vida de un significativo porcentaje de la población de la Europa medieval, se presenta en la novela de Kim Stanley Robinson como un exterminio casi total de la civilización europea. De modo lógico, su hegemonía posterior (militar, política, económica) nunca tiene lugar, ordenando el mundo de un modo muy distinto: a través de Asia y África.

El mundo sin Europa.

De hecho, las elucubraciones de Robinson resultan de lo más estimulantes porque permiten imaginar con el posible desarrollo de las tribus americanas como estados modernos y funcionales, además de colocar a China en una posición de verdadera preeminencia internacional frente a una suerte de conglomerado de estados islámicos asociados. Tiempos de arroz y sal propone un escenario ucrónico imposible (la peste negra fue letal, pero nunca estuvo cerca de poner en peligro la existencia de la sociedad europea) para ofrecer escenarios que revierten el eurocentrismo tradicional de nuestra visión de la historia.

Una versión anterior de este artículo identificaba a The Man in the High Castle como una producción de Netflix.

El titular: Deadpool recauda 265 millones de dólares en su fin de semana de estreno global (tranquilos, a España llega este viernes). Esto es, la mejor cifra para un estreno en salas jamás logrado por una película etiquetada como para mayores de 17 años, superando la recaudación de otras grandes propuestas como Matrix Reloaded o El francotirador.

El mercenario bocazas de Marvel ha logrado él sólo en este fin de semana del amor superar la mejor apertura de un mes de febrero, eso es, una mayor fiebre espectatorial que la que logró el año pasado 50 sombras de Grey, y convertirse en la mejor marca en taquilla para una película de un director debutante, Tim Miller, quien hasta ahora sólo tenía experiencia trabajando en el departamento de efectos especiales.

¿Lo mejor de todo? Se trata de la mejor recaudación del fin de semana de estreno de cualquier película producida por el estudio 20th Century Fox, y eso significa haber alcanzado mejores cifras que ninguna de las películas de los X-Men. Sí, para una cinta que los mismísimos responsables de Fox no tenían del todo claro que quisieran hacer y a la que le habían asignado un presupuesto de 58 millones de dólares. Sólo un poco más de la cuarta parte de lo que se han gastado en X-Men: días del futuro pasado, de 200 millones de producción. La pregunta es clara: ¿cómo hemos llegado hasta aquí?

Sólo las filtraciones le dieron amor a Deadpool

With great power, comes great irresponsibility. #deadpool #officialsuit @deadpoolmovie pic.twitter.com/MPM89bYz1B

— Ryan Reynolds (@VancityReynolds) March 27, 2015

Hoy, en otra de esas ocasiones en las que son más interesantes los entretenimientos montados alrededor de las películas que los que vemos en las mismas películas, nos encontramos con la historia de Deadpool. Un proyecto que nadie estaba del todo convencido de que mereciese la pena sacar adelante, con varios guionistas y directores pasando por la mesa de negociaciones para después marcharse sin llegar a ningún acuerdo.

Fue en febrero de 2010 cuando, llegado un punto tras 10 años estando en eso que se conoce como “infierno de producción”, Deadpool vivió la filtración de su guión, que entusiasmó a los fans que se acercaron a leerlo. Fox dio entonces el visto bueno para elaborar una prueba de metraje con un bajo presupuesto, por tantear el terreno.

El resultado, por supuesto, también se filtró. En julio de 2014 los internautas pudimos ver una prueba de efectos especiales en la que Ryan Reynolds protagonizaba una escena de captura de movimiento. Para jolgorio de los aficionados a Masacre, eran bastante buenas. Reynolds lo cuenta en el video precedente a este párrafo, en el que dice estar seguro "en al menos un 60% de probabilidades" de no haber sido él quien filtró aquel guión: si el libreto no hubiese sido mostrado al público por alguna fuente “infiltradora”, la película no habría tenido nunca el impulso definitivo que la convirtiera en un producto real.

Si no tienes al Capitán América, pásate al humor +17

I forget. Is a turducken stuffed with three additional meats, or four? Happy Thanksgiving. pic.twitter.com/u98fvDWhYT

— Deadpool Movie (@deadpoolmovie) November 26, 2015

Lo bueno sigue después, cuando se descubre la primera imagen oficial promocional de una campaña que desde el minuto uno ha buscado convertirse en el megaéxito viral de la temporada de marketing fílmico. Fox debía saberlo, era importante llamar la atención en redes. Pese a que Masacre es un héroe marvelita, el personaje creado por Fabian Nicieza y Rob Liefeld 25 años atrás no tiene el mismo caché que Los Vengadores o sus compañeros mutantes.

Deadpool ha sido siempre una especie de paria, el colega gracioso de las grandes estrellas que se conforma con el éxito entre un grupo de aficionados más selecto, en concreto, aquel interesado por un malhablado y verborréico protagonista que no duda en quemarlas a base de metahumor y romper la cuarta pared siempre que pueda. Así lo dijo Graeme McMillan, de The Hollywood Reporter, cuando vio por primera vez el trailer promocional de Deadpool "es como si los de la película hubiesen aprendido a hablar a la audiencia fan en su propio lenguaje”.

El antihéroe que quiere que te toques

Y en esa línea ha ido la campaña de Fox, arriesgando en humor zafio y todo tipo de tácticas de publicidad chusca como no le estaría permitido hacer a ninguna de las otras películas de superhéroes, esas en las que la inversión es tan grande que parecen clamar a la seriedad y al acercamiento a todos los públicos, buscando el mínimo común denominador.

Para un personaje como el de Deadpool, el suicidio comercial habría sido elaborar cualquier otro tipo de estrategia publicitaria, pero el volumen de material que ha salido a la luz, el timing con el que lo han exhibido y la calidad de lo entregado puede explicar perfectamente su éxito. He aquí alguno de los grandes momentos que ha dado, especialmente para los estadounidenses (con el eco del resto de la prensa especializada en cine internacional) durante este tiempo:

Dividir a los personajes de la película en gilipollas y héroes

Hacer el anuncio en valla emoji más estúpido de la historia

This idiotic/brilliant billboard is why I'm all in on the DEADPOOL movie. I'm an easy lay. pic.twitter.com/jSRorPvaCp

— Patton Oswalt (@pattonoswalt) January 13, 2016

Sin miedo a la falsa publicidad

This Valentine’s Day, fall in love with #Deadpool. pic.twitter.com/ScQWrpXXmx

— Deadpool Movie (@deadpoolmovie) January 11, 2016

Meterle un gol a tu cabeza y al Manchester United

Evidentemente, hacía falta un Tinder

Campaña a favor de los tocamientos para prevenir el cáncer de testículos

Ryan Reynolds, otra figura clave

He breathes through his penis. Everybody knows that. Please read the comics before posting. https://t.co/2vuBUFDYVd

— Ryan Reynolds (@VancityReynolds) April 7, 2015

Como podemos ver, buena parte del éxito de la promoción de la película hay que explicarlo en la implicación de Ryan Reynolds, productor de la cinta y amante declarado del personaje que hizo por empujar el proyecto más que nadie (salvo tal vez su director, Tim Miller) y que parece haberlo organizado todo con la finalidad última de que nos olvidemos para siempre de su encarnación de Linterna Verde. Del que, por cierto, también hay una broma circulando.

¿Es esta implicación de un actor con el personaje algo novedoso? No, pero sí lo es la intensidad y las creativas formas de elaborar anzuelos para los medios que ha protagonizado el canadiense.

Porque no es solo que él encarne a Deadpool, sino que, mientras ha durado la campaña, ha cargado con el peso creativo de la elaboración de un personaje cuya ficción ha sobrepasado la película. Es decir, mientras para otras películas tendríamos a Chris Evans o a Chris Hemsworth bromeando en los junkets y subiendo alguna foto de Instagram apelando a su conexión con Capitán América o Thor, Reynolds filmaba para Halloween un irreverente video en el que amonestaba a infantes disfrazados de superhéroes soltando improperios no aptos para menores. Todo así, desde finales de 2014 y sin parar hasta el día de hoy.

Don't believe the hype

En otra vuelta de tuerca, una broma meta-promocional de la película protagonizada por el héroe marvelita nos advertía de que deberíamos mantener controladas nuestras expectativas. Y es cierto, la conquista de las redes del primer héroe pansexual no significa que vayamos a disfrutar el próximo viernes de lo que nos propone Fox.

Pero sí deja claro que han sabido fabricar una malhablada sensación viral que ha roto los rígidos esquemas del marketing del cine de multisalas, y que, como han indicado nuestros compañeros de Blog de Cine, gracias al triunfo en taquilla de este soplo de aire fresco en el apolillado mundo del cine de tíos en mallas, “Hollywood ha tomado nota. Preparaos para una oleada de superhéroes gamberros”.

Mario Kart es una de esas franquicias derivadas que han sido todo un éxito para Nintendo desde hace varios años, ha formado parte de varias generaciones gracias a su propuesta sencilla pero extremadamente divertida, que hace que cualquier tipo de persona pueda jugar y pasar un buen rato entre amigos o de forma individual.

Este éxito ha hecho que esta franquicia ya sea parte de la cultura popular, donde una gran cantidad de fans y artistas de varias disciplinas la han adoptado para crear cosas maravillosas. Ya hemos visto por ejemplo un mashup entre Mad Max y Mario Kart, así como una increíble adaptación de estas carreras en la vida real, pero hoy, las carreras de Mario y compañía se trasladan al universo de moda: Star Wars, para competir en una galaxia muy muy lejana.

Star Kart

Sin duda Star Wars es una de las franquicias que más ha sido adaptada a otros universos, pero lo que han logrado los chicos de Dark Pixel al adaptar elementos de esta saga dentro de la competencias de Mario Kart es digno de mencionar, porque estamos ante un trabajo de más de un año, donde veremos una gran edición, diseño y animación que bien ha valido la pena.

Mike Brown, Landon Sperry y Casen Sperry son los responsables de esta genialidad, que nos presenta a los personajes de Nintendo pero ahora a bordo de las famosas naves del universo Star Wars, quienes recorren escenarios conocidos de la saga, y donde los clásicos poderes del juego hacen su aparición para complementar la emoción de la carrera, con todo y guiños a la historia que muchos de nosotros conocemos.

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El ser humano ha encontrado diversas formas de expresar emociones, ideas o simplemente contar historias, por ejemplo el arte ha sido pieza fundamental del crecimiento cultural de cada sociedad, ya que es a través de estas obras, como podemos conocer parte de nuestro pasado y entender un poco de lo que ocurría hace varios cientos de años.

Cada cultura tiene sus diferentes expresiones pero hoy nos concentraremos en Japón, que durante el período Edo (1603-1868) tuvieron una de las formas de expresión artísticas más bellas que existen, los llamados Ukiyo-e, que son pinturas o estampas japonesas grabadas por medio de xilografía en madera. Estas obras son sumamente reconocidas en el mundo, pero ahora, por primera vez han sido adaptadas a nuestra época por medio de Gifs y elementos tecnológicos.

Arte tradicional japonés adaptado al siglo XXI

Atsuki Segawa es un artista japonés especialista en la producción de vídeo, quien un día tuvo la idea de tomar una de estas famosas Ukiyo-e para darle vida transformándola en un Gif, animando alguno de sus elementos por simple gusto. Compartió la imagen en su cuenta de Twitter y el éxito fue inmediato.

Esto le animó a crear más de estas imágenes que mezclaban arte tradicional japonés pero dentro del mundo digital, Atsuki las bautizó simplemente como Ukiyo-e 2.0, las cuales fueron muy bien recibidas fuera de Japón, no así en su país, donde algunas personas lo consideraron como una falta de respeto a la cultura japonesa.

Únicamente fueron cinco imágenes, en ellas mostraba la obra original con un poco de animación, pero en algunas decidió meter rayos láser, ovnis y hasta un tren bala.

NEC se suma a la fiesta

Pasaron varios meses y Atsuki abandonó este tipo de obras, hasta hace unos días que fue contactado por la compañía japonesa NEC Corporation, quien le pidió hacer más Ukiyo-e 2.0 como parte de la campaña de lanzamiento de Lavie, el nuevo portátil de la compañía.

En esta nueva serie de imágenes animadas, Atsuki nos presenta viejas escenas japonesas donde la tecnología está presente, jugando con la idea de cómo hubiera lucido esa época de haber tenido elementos como tablets, smartphones, ordenadores y luces LED. Para este proyecto, Atsuki ya estaba más familiarizado con la técnica, ahora el problema era elegir qué elemento de la obra es el que debería tener animación.

"La idea era sacar el lado divertido de la tecnología, mostrar como hubieran sido el estilo de vida de las personas en aquel entonces si hubieran tenido computadoras y tabletas para jugar un poco".

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OK Go, el grupo que sólo le interesa a la gente por los videoclips que hacen ha hecho un nuevo videoclip. Cómo no, en el afán de estos viralistas por ir enrevesando las condiciones de filmación del espectáculo que conquista las redes sociales cada pocos años, esta vez le ha tocado el turno a la gravedad cero. Antes de seguir, deberías ver el vídeo, si lo tenías pendiente.

Vale. ¿Qué acabamos de ver? Sí, son Ok Go en un plano secuencia dentro de un avión acompañados de ordenadores, cadenas, pinturas y piñatas, pero ¿cómo es posible que hayan realizado todo esto en una toma? ¿En qué clase de espacio sin gravedad se encuentran? Al espacio no parecen haber ido, y además a través de las ventanas se intuye que es de día, así que algo tiene que fallar, ¿no? En efecto, nos han mentido. No hay plano secuencia en este videoclip.

La ciencia de flotar en la tierra

Un avión de fondo vemos porque es un auténtico avión donde han elaborado la coreografía. En concreto, los de Oh No OK Go están a bordo de un Ilyushin IL-76 MDK, modelo soviético de los años 70 especialmente diseñado para transportar maquinaria y equipamiento entre las zonas más remotas del mapa comunista durante los años de la Guerra Fría. Roscosmos, la agencia espacial rusa, opera estos aviones equipados para vuelos parabólicos para el entrenamiento de cosmonautas, al igual que al otro lado del bloque lo hace la NASA.

Porque esta es la ciencia detrás de lo que vemos aquí, una “maravilla ingrávida”, como la describieron los ingenieros de la NASA cuando vieron los frutos de su programa de preparación para astronautas. Desde 1959 se vio el primer resultado del Programa de Investigación de Gravedad Reducida. Allí, a bordo de un C-131 Samaritan, los astronautas del Project Mercury apodaron esta nueva forma de relacionarse con el ambiente como "cometa vómito", nombre muy apropiado si es cierto lo que han comentado aquellos que alguna vez se han visto envueltos en un vuelo de gravedad reducida.

Mientras el avión sigue una ruta aérea de trayectoria más o menos parabólica, los pasajeros sienten una sensación de ingravidez causada por encontrarse inmersos en un movimiento elíptico en relación al centro de la Tierra. En el gráfico anterior puede verse el momento en el que sentirías estar flotando cuando en verdad estás en caída libre. Durante este tiempo, la nave no ejerce ninguna fuerza de reacción terrestre, causando la sensación de ingravidez. Por todo esto, el efecto resultó perfecto para el entrenamiento de los astronautas y sus agencias espaciales, que así no debían gastar millones en cruzar la atmósfera y adentrarse en el espacio.

El avión de los de Ok Go alcanzaba 30.000 pies para ascender rápidamente en un ángulo de 45 grados. Cuando están en la cresta de la curva, comienza el efecto de “despegue” en el aire. Cuando el avión pasa entonces por encima de la parábola y se dirige de nuevo hacia abajo, en un ángulo de -30 grados, es donde arranca el sentimiento de ingravidez, y continúa durante unos 20 segundos, el tiempo que necesitan los pilotos (hasta 10 durante la realización de este video) para llegar al límite de los 15.000 pies, punto más bajo de altura que deben alcanzar y momento en el que empiezan, de nuevo, a ascender para el siguiente bucle.

Uno de los realizadores comentaba que la experiencia durante el tiempo en el que vivías esa “doble gravedad” se sentía “como si tus pulmones estuvieran a punto de colapsar, tus glóbulos oculares hubiesen sido golpeados por un martillo y tu sangre fuera a escaparse de tu cuerpo”.

John Yaniec, ex-director del Programa de Investigación en Gravedad Reducida, ha comentado en alguna ocasión que "un tercio de los pasajeros enferman fuertemente, el segundo tercio moderadamente, y la última parte no presenta síntomas”, y así parecen confirmarlo el equipo de rodaje de Upside Down & Inside Out, cuyo recuento final de vómitos ascendía a 58, más otros tantos desmayos, mareos y caras verdes y angustiadas a lo largo de toda la filmación. Por suerte, ninguno de los miembros de la banda estuvo afectado por el mal de altura. Tampoco las azafatas, dos acróbatas aéreas profesionales que son, sin duda, lo mejor de esta aventura.

Un vídeo publicado por Бурдина Анастасия (@nastka_bu) el 11 de Feb de 2016 a la(s) 11:01 PST

¿Y cómo han hecho el plano secuencia entonces?

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Con el trabajo de montaje puro y duro. La ingravidez sólo puedes mantenerla durante algo así como 20 segundos, los cortes puedes observarlos en 0:46, 1:06, 1:27, 1:48, 2:09, 2:30 y 2:50. Además, si te fijas, el grupo no está todo el tiempo literalmente flotando, y cada 20 segundos de filmación están sujetos en algún punto o directamente sentados en los asientos. Los ordenadores y las pelotas también acaban en el suelo cada cierto tiempo por esta misma razón.

Como dificultad añadida, los grupos de compases de las canciones duraban algo más que los segundos indicados de caída libre, con lo que debieron ralentizar su actuación y acondicionar las diferentes piezas del hit para ensamblarlas de forma que todo tuviera sentido. Así, el playback bajó la velocidad en un 28.5%, mitigando de paso el efecto slow motion de la gravedad cero resultando en ese movimiento tan inquietante que vemos en el video.

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Lo demás, practicar, desarrollar con precisión el esquema y enfrentarse a las dificultades añadidas de las situaciones de filmación, como por ejemplo, el suelo, una moqueta especialmente gruesa y preparada para prevenir fracturas óseas y que, por motivos obvios, estaba siempre llena de pintura. Por supuesto, también hay mucho de magia en la sala de edición e incluso de efectos especiales, en el que además está claro que el morph ha sido un gran aliado. Es, posiblemente, el videoclip de los realizados hasta la fecha en el que más mentirosos se han puesto.

Por cierto, el ruso Alex Cheban pudo presenciar el rodaje y tiene una galería de fotos alucinantes que puedes ver en su página web.

¿Y el precio?

Si nos atenemos a lo que indican las páginas oficiales que ofrecen este servicio en Rusia, el coste de alquilar un IL-76 por una jornada para todo el equipo rondan los 50.000 euros, así que, contando con que el tiempo de preparación y rodaje que han publicado en diversas entrevistas (6 días de práctica, 10 días de filmación programada y uno extra para la última toma) serían 17 días y 850.000 euros sólo en gasto de alquiler de la aeronave. Pero los creadores han declarado que una compañía llamada S7 dio un paso al frente declarando “hacer todo lo posible por ayudar económicamente a que pudieran llevar a cabo su sueño en gravedad cero”, con lo que seguro que pudieron aplicarles algún jugoso descuento.

¿Y quién es el verdadero alma de Ok Go?

El grupo que hace canciones de fondo para videoclips chulos ha hecho un videoclip. Y eso significa que esta banda de cuatro miembros sólo es importante en la medida en que los reconocemos en pantalla. En verdad, y desde Here It Comes Again, el primer clip que les lanzó a la fama, la directora de los proyectos audiovisuales ha sido Trish Sie, hermana de uno de los integrantes del grupo y coreógrafa de todo lo que han rodado hasta el día de hoy.

Ella es también la directora de la película Step Up: All In y ha ganado premios en agencias de comunicación como Saatchi & Saatchi lo mismo que en festivales de la talla de Cannes Lion, donde presentó un video interactivo llamado All Is Not Lost elaborado bajo el paraguas de Chrome Experiments en el que el usuario puede crear un mensaje gracias a esa sopa de letras humanas. Te dejamos el link aquí porque sabemos lo que estás pensando: ahora necesitas pasarte el tiempo del descanso fabricando tus propias frases.

El grupo al que le gusta más reflexionar sobre los límites del entretenimiento que sobre la música ha vuelto a hacer un gran entretenimiento. Y a nosotros nos encanta.

Salir a andar en bici es una de esas disciplinas que sirven no sólo para estar en forma, sino también para conocer lugares desde otra perspectiva, vamos, es una actividad que millones de personas realizan diariamente por los beneficios que esto conlleva, pero nunca habíamos visto que el andar en bici sirviera para hacer arte.

Stephen Lund se describe a sí mismo como estratega de marca y director creativo en sus tiempos libres, pero la mayor parte del tiempo es un competitivo ciclista obsesionado con el arte a través de GPS. Y gracias a esta obsesión, es como hoy conoceremos maravillosas obras creadas a base de creatividad y sus paseos en bici.

Arte plasmado en mapas a través de GPS

Todo comenzó un 1 de enero de 2015, cuando Stephen decidió planificar una ruta en Victoria, Canadá, esto por medio de la aplicación Strava, que también sirve como una red social para ciclistas, donde se comparten logros, recorridos y rutas entre la comunidad. El mensaje era un sencillo "Happy 2015", pero al grupo de ciclistas les fascinó, y aquí Stephen encontró una nueva forma de poner a trabajar su creatividad.

Durante todo 2015, Stephen trazó poco más de 70 obras en sus recorridos, todos con un dibujo diferente, donde nos podemos encontrar a Darth Vader, Yoda, un T-Rex, diversos animales, y hasta un retrato de la Reina Victoria. La mayoría de los recorridos son planificados con antelación y se comparten en Strava, esto para que otros ciclistas puedan hacerlos al mismo tiempo que conocen aspectos interesantes de la ciudad.

Los recorridos son en promedio de 70 kilómetros, pero el más largo alcanza los 200 kilómetros. Hasta el momento, Stephen ha recorrido más de 29.000 kilómetros y este 2016 quiere romper su propio record, no sólo de distancia, sino también de obras, planeando el realizar al menos 5 obras por semana.

Una foto publicada por Stephen Lund (@roadrashyyj) el 24 de Jun de 2015 a la(s) 2:34 PDT

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Más información | Sketchbook of a GPS Artist

De vez en cuando, vas de visita a casa de algún conocido y al cruzar la puerta, sin esperarlo y a traición, te explica que en su casa no usan zapatos. Así que te descalzas tratando de no poner cara de compromiso, dejas los zapatos en ese diminuto zapatero que siempre tienen en la entrada y te dispones a pasar el resto de la velada en pantuflas. Y no importa que esa noche fueras monísimo de la muerte, las zapatillas son siempre siempre siempre más feas que Picio.

Esa gente son 'raritos'. Lo digo como lo siento. Y deberíamos decirlo más. Porque no hay nada que corte más el rollo que la pregunta que todos nos hacemos en ese momento: "Espera, un segundo ¿no tendré un agujero en los calcetines?". Raritos, tiquimisquis y tocapelotas, eso es lo que son. Bueno, eso y atinados. Porque sí, igual llevan razón. O eso dice la ciencia, que sabe mucho de investigar pero por lo que se ve poco de sentido común.

Pues sí, tienen razón (en parte)

Aunque, hoy por hoy, no usar zapatos en casa, aún parece una costumbre algo japonesa, los escasos estudios que se han hecho sugieren que poco a poco se va haciendo más popular. Nos puede parecer raro, pero si nos paramos a pensarlo no faltan motivos. Hoy repasamos dos estudios que nos hablan sobre lo que pasa de verdad en dos lugares a los que normalmente no prestamos atención: los zapatos y nuestro propio hogar. Bajo nuestra mirada despreocupada se esconde una 'alianza criminal' que ni en los mejores tiempos de Bonnie y Clyde.

Quiero entrar (en tu garito) con zapatillas

Desde hace un par de años, tenemos evidencia empírica de que los zapatos son una gran fuente de información para saber cómo es una persona: gracias a ellos podemos estimar la edad, el sexo, el nivel de ingresos o hasta el nivel de ansiedad del dueño del calzado (Gillath, 2012). Lo que no sabíamos hasta ahora es que los zapatos transportan mucho más que buena información. Un estudio de Charles Gerba, profesor de microbiología de la Universidad de Arizona, mostró que tras dos semanas de uso se pueden encontrar más de 420.000 bacterias en el exterior de unas zapatillas. 420.000. Para hacernos una idea, el inodoro medio tiene menos de mil.

Según el trabajo de Gerba, de las bacterias identificadas en las zapatillas, el 27% eran E. coli. Escherichia coli un tipo de bacteria que vive en el intestino de humanos y animales. Por eso, Gerba piensa que la "abundancia de esta bacteria puede deberse al contacto frecuente con material fecal tanto en suelos de cuartos de baño como en la calle”. La mayoría de las E. coli no causan problemas. Pero, algunos tipos pueden producir enfermedades y causar diarreas bastante severas.

Gerba y su equipo también encontraron grandes cantidades de Klebsiella pneumoniae y de Serratia marcescens. La K. pneumoniae se dedica a las infecciones del tracto urinario, las neumonías, las sepsis y otras infecciones de tejidos blandos o de heridas abiertas. Mientras que a la S. marcescens se le dan de vicio las conjuntivitis, las queratitis y otras infecciones urinarias (en algunos casos, también meningitis y endocarditis, pero es mucho más raro). Estas dos bacterias son lo que, para entendernos, llamamos infecciones oportunistas; es decir, suelen atacar cuando el sistema inmune está debilitado y, de hecho, suelen estar involucradas en las enfermedades que ocurren dentro de los hospitales (las famosas nosocomiales de las que os hablamos hace poco).

No obstante, como digo, a no ser que nos dediquemos a chupar los zapatos de forma habitual, la probabilidad de que alguna de estas bacterias infecte a alguien es muy baja. Esto, que son malas noticias para los fetichistas, es lo que explica que en las casas donde sí se usan zapatos no haya enfermedades constantes. Pero hay más cosas a tener en cuenta.

Hogar, (no tan) dulce hogar

Diversidad de artrópodos en el hogar (tantos por ciento)

Otro estudio reciente nos dice que aunque no nos lo podamos creer, cada día convivimos con más de doce especies distintas de insectos en nuestras propias casas. Según los investigadores, en cada vivienda viven entre 32 y 211 morfoespecies, de las que entre 24 y 118 son artrópodos. Una auténtica barbaridad.

Según los resultados del censo, que todavía son muy parciales y pueden cambiar dependiendo del clima, las moscas y los mosquitos son los insectos más más comunes en nuestras casas (representando un 23%). Tras de ellos tenemos a las arañas (19%) y a los escarabajos (16%). Aunque en muchas zonas estos compañeros de piso son inofensivos, en otras crear climas favorables a mosquitos o arañas puede ser un problema serio de salud.

Hasta hace poco creíamos que tras años de insecticidas y productos químicos, la biodiversidad de nuestras casas estaba bajo mínimos, pero parece que no es así. Además, es muy curioso que la mayor parte de las 93 especies encontradas no son lo que normalmente denominaríamos 'plagas'. Por lo que parece, los insectos pasan desapercibidos alimentándose de nuestros residuos (como la piel muerta) o de la suciedad que introducimos en casa. Es precisamente cuando se rompe el equilibro (por falta de higiene, por cambios climáticos o por lo que sea) cuando alguna población dispara su crecimiento y surgen la alarma.

¿Houston, tenemos un problema?

Ser zapato es duro. Son esa clase de gente que se mete en todos los charcos, esa gente a los que siempre se les mira desde arriba y a los que la sociedad no para de pisotear. Por eso parece excesivo dejarlos en la entrada de la casa: pero, la verdad, es que son una de las principales vías de suciedad y contaminación en el hogar. Aliados naturales de los habitantes invisibles de la casa, ahora no parece tan 'rarito' eso de descalzarse en la entrada. Sobre todo, en viviendas donde vivan niños pequeños o personas con problemas de salud.

De todas formas, tampoco es para volvernos locos: las monedas tienen entre 23.000 y 255.000 bacterias y entre 11 y 377 colonias de hongos (Kuria, Wahome, Jobalamin y Kariuki, 2009). Quiero decir que convivimos con baterias, hongos y virus todos los días y, aunque tomar precauciones nunca está de más, cosas sencillas como lavarnos de forma cotidiana las manos o no hacer la cama son precauciones más fáciles de poner en marcha que la política de zapatos cero. Aunque yo, de todas formas, me lo voy a pensar.

Imágenes | PeerJ, eco-house21

Hoy viajamos al uno de enero de 1964. En pleno centro de San Diego, mientras todo el mundo celebra el fin de año, un joven grita que él es Paul Lowe. Chilla, increpa y zarandea a la gente que pasa a su lado. Y con razón, él es Lowe, ¡LOWE!, uno de los mejores jugadores de fútbol americano del sur de California. ¡Y no lo reconocen! Es como si Cristiano Ronaldo o Messi se pasearan por la Puerta del Sol o las Ramblas y pasaran desapercibidos. ¿Qué es lo que estaba pasando?

Eso se preguntaban también los transeúntes al ver que aquel adolescente blanco, bajito y delgado gritaba como un loco que él era una de las grandes estrellas negras de los San Diego Chargers. O bueno, igual ni se lo preguntaban porque eran las tres de la mañana y seguramente no sería más que otro borracho diciendo tonterías en la calle. Por suerte, nosotros sabemos que no. Ese muchacho era Randy Gardner, la persona que ha pasado más tiempo sin dormir de la que tenemos constancia. Y ese era sólo su quinto día despierto. Veamos qué le pasa a tu vida si decides dejar de dormir por completo.

Día 1: Todo en orden

Cuando el joven Gardner se fue a dormir el 27 de diciembre el plan era no volver a hacerlo en mucho tiempo. Un par de días antes Bruce McAllister, Joe Marciano Jr y el propio Randy Gardner habían tenido una idea brillante. Se acercaba la 'Feria de Ciencias' del instituto y qué mejor forma de aprovechar las vacaciones de Navidad que poniendo en riesgo de forma absurda la vida y la salud de uno de ellos. Gardner iba a superar el récord de 260 horas sin dormir que en 1959 había establecido un dj hawaiano. No estaba claro si ganarían el premio de la Feria de Ciencias, lo que sí era seguro es que si la cosa se torcía podían fácilmente ganar el Darwin.

Se despertó a las seis de la mañana del 28 de diciembre. Y el primer día todo fue bien. Como hemos comentado en otras ocasiones, las consecuencias físicas, motoras y psicológicas de no dormir durante 28 horas seguidas son equivalentes a llevar una tasa de alcohol en sangre superior a la permitida para conducir. Algunos expertos comentan que se empieza a ver afectado el juicio, se deteriora la memoria, tomamos peores decisiones y nuestra coordinación se ve resentida. En realidad, el mayor problema de pasar un día sin dormir no está provocado por la falta de sueño, sino por la costumbre. Los hábitos son los mejores aliados del sueño y, por eso, a la hora en que solemos echar una cabezada, nos entra una somnolencia casi infinita. No obstante, ¿Quién no ha pasado 24 horas sin dormir? No es recomendable, pero es relativamente habitual.

Día 2: Empiezan los problemas

Durante el segundo día, la cosa empezó a cambiar. A Gardner comenzaron a dolerle los ojos. Y mucho. De hecho, a partir de ese momento dejó de ver la televisión porque le molestaba. Esto, junto con un aumento de la tensión arterial, era esperable y se sabía qué podía ocurrir. Más rara fue la astereognosis suave que desarrolló. Es decir, perdió levemente la capacidad de distinguir la forma de los objetos que tocaba.

Más raro sí, pero no demasiado. En realidad, se sabía muy poco sobre lo que podía pasar. En 1894, la médica rusa Maria Manaseina hizo un experimento con cuatro cachorritos adorables a los que privó del sueño. Los cachorros murieron al quinto día y Manaseina dejó la línea de investigación. En su famoso libro sobre el sueño, explicó que ese tipo de experimentos eran 'demasiado dolorosos'. Un par de años después . Allen Gilbert y George Patrick llevaron a cabo el primer experimento en humanos del que tenemos constancia. En la Universidad de Iowa, un profesor adjunto estuvo noventa horas sin dormir hasta que comenzó a alucinar (en colores, literalmente). Decía que todo estaba recubierto por "una capa grasienta". Tras eso se decidió cortar el experimento, marcando una línea temporal que no se volció a cruzar en mucho tiempo. De hecho, si tomamos como referencia este estudio, hasta el experimento escolar de Gardner y sus amigos, se realizaron 175 intentos. Todos de menos de 102 horas y todos sin efectos graves a largo plazo. Eso nos da cuatro días de relativa seguridad. En principio.

Día 3 y 4: Mal humor y falta de cooperación

El tercer día estaba insoportable. Cambios de humor, dificultad para coordinar movimientos y para decir trabalenguas. Y nauseas, muchas nauseas. El mal humor fue a peor el cuarto día. Se volvió irritable y poco cooperativo.

Esto era un problema. McAllister y Marciano estaban con él y le ayudaban a que no se durmiera. Como estaba prohibido usar estimulantes (cafeína, teína o cosas por el estilo) para no alterar el experimento, lo tenían entretenido con otras cosas: jugaban a juegos de mesa con él, lo sacaban de paseo o lo acompañaban al baño para darle conversación y que no se durmiera sentado en el retrete. A medida que se volvía menos cooperativo, todo se volvía mucho más complicado. Esa la noche, comenzó a tener lagunas de memoria y a sentir como si tuviera algo apretándole la cabeza. Pero lo peor estaba a punto de llegar.

Día 5: Alucinaciones

A las 3 de la mañana, salieron a dar una vuelta para despejarse. Gardner comenzó a ver como una gruesa niebla se levantaba en la calle y confundió las señales de tráfico con personas. Al poco, comenzó a gritar que él era Paul Lowe. Durante las siguientes dos horas, estuvo convencido de ello y, por sus declaraciones a favor de la superioridad de los afroamericanos, si hubiera sido de día se habría alistado sin dudarlo en las Panteras Negras.

Durante todo el quinto día, las alucinaciones hipnagógicas (alucinaciones en las que la realidad y los sueños se confunden) continuaron. Es de suponer que este es el motivo por el que los experimentos anteriores se acaban a las cien horas. Pero este tipo de alucinaciones tan intensas capaces de asustar hasta al investigador más duro, no consiguieron asustar a tres estudiantes de instituto.

Días 6, 7 y 8: La cosa se pone fea

Decía el zoólogo inglés Percival Dumbledore (1999) que "en los sueños encontramos un mundo enteramente nuestro". Tan nuestro, tan nuestro que la privación del sueño se ha utilizado como tortura durante prácticamente toda la historia de la humanidad. Para Matthew Hopkins, «Cazador general de Brujas» de Inglaterra desde 1644, el uso de este tipo de técnicas para sacar testimonios era el pan nuestro de cada día. En la China del diecinueve iban un poco más allá y se usaba con relativa frecuencia como método de ejecución. Por su parte, los nazis, que en cuestiones de sadismo no se perdían una, también hicieron numerosos experimentos para averiguar cuanto tiempo podía estar una persona sin pegar ojo.

Durante los tres días siguientes se empezó a ver claro por qué es una tortura perfecta. Descoordinación, astereognosis, irritabilidad, cefaleas, dolores articulares, falta de cooperación, lapsos de memoria, incapacidad para concentrarse: Gardner estaba pasándolo mal. Su capacidad para hablar estaba cada vez más deteriorada. Conforme pasaban las horas parecía más difícil conseguir superar las 260 horas.

Día 9: La caballería

A los nueve días, su pensamiento cada vez estaba más fragmentado, no conseguía terminar las frases y su visión se volvió permanentemente borrosa. Ese día, William Dement llamó al timbre.

Dement, profesor de la universidad de Stanford, era uno de los especialistas del sueño más importantes de Estados Unidos. Con los antecedentes que habían existido (ya saben, inquisidores, nazis y torturas chinas) y sin conocer las consecuencias de ese insomnio voluntario, hacer experimentos con personas era muy difícil. Por eso, cuando se enteró de que había alguien haciéndolo por su cuenta y riesgo, cogió el coche y se plantó allí. El interés era genuino, o lo parecía, porque entre Stanford y San Diego hay unos 800 kilómetros de distancia.

Los últimos días

Durante los siguientes días de vigilia, Gardner decía estar escuchando la radio, aunque no había ningún sonido en la habitación. Controlado por Dement, con los cuidados adecuados y gracias al cansancio y al deterioro funcional, no hubo grandes problemas. De hecho, Dement comentó en alguna ocasión que el décimo día, Gardner le ganó jugando al pinball. El 8 de enero de 1964, cuando se cumplieron las 264 horas, pasó algo realmente inaudito en el experimento: Gardner se fue a dormir.

Durmió durante catorce y se despertó de forma natural. En ese momento, lo llevaron al Hospital Naval de San Diego donde le atendió el neurólogo John Ross. A corto plazo, Ross detectó graves alteraciones cognitivas y conductuales, pero con el paso de lo días desaparecieron. Casi cuarenta años después, Alex Boese entrevistó a Gardner y no parecía haber sufrido ninguna consecuencia reseñable. "Bueno, dejé de trasnochar después de aquello", comentó entre risas al divulgador.

A día de hoy, seguimos a ciegas. Este es el límite más avanzado donde ha llegado la ciencia en humanos. Por algunos experimentos animales, se estima que la muerte llega tras tres o cuatro semanas de privación del sueño. No está muy claro el porqué, pero sí se sabe que el sistema inmune se vuelve loco y empieza a atacar al cuerpo produciendo incluso lesiones en la piel.

"¿Qué sucede en tu vida cuando dejes de dormir por completo?", La respuesta en realidad es sencilla: Que se acaba. Literal y metafóricamente. Y no de una forma cómoda y agradable. Como saben las cientos de miles de personas que sufren de insomnio crónico, no dormir se vuelve en algo desquiciante, doloroso y terrible. La salud física y la psicológica se erosionan poco a poco como las caras de una moneda demasiado usada. Es, si me permiten la expresión, un infierno en vivo y en directo. Espero que ahora entiendan que no hay nada más bonito en esta tierra que dar las buenas noches.

Imágenes | Michael Gil, Keoni Cabral, Dennis Jarvis, Andrés Nieto Porras, Cummings Center

Imagínate que tú y tres amigas más decidís montar un blog en el que hablar de las series y las pelis que os gustan, con fotos, dibujos chulos que os encontráis por ahí y un esporádico meme de vez en cuando. Tenéis 400 likes en Facebook y cero beneficios, por supuesto. Entre las cuatro mantuvisteis la llama de la página viva durante dos años, hasta 2014. Y ahora, casi un año después de que echaseis el cierre, viene una empresa estadounidense a denunciaros por infringir los derechos de copyright de una de sus fotos. Que no es otra que la del meme del pingüino socialmente inadaptado.

Esto, que podría parecer un sarnoso castigo irónico o un capítulo bastante mediocre de The Good Wife es lo que en verdad le ocurrió a las blogueras alemanas de Geeksisters.de, cuatro jóvenes a las que Getty Images les reclamó 868 dólares por un post en el que se usaba la imagen del archiconocido pingüino en la que, con tino, la redactora había puesto "lieblingsmeme", es decir, “meme favorito”, para después recordar que Internet es un gran invento.

La demanda les llegó tres años más tarde a través de la compañía matriz del blog, getDigital, que recibió un mail amenazante en el que se les informaba de que tendrían que pagar por la licencia o “enfrentarse a acciones legales”.

Un post que escribiste antes de terminar la carrera. Que incluía un meme que tiene 6 años de vida y está por todo Internet. Que tuvo cero likes o comentarios en su momento. 868 dólares. La misiva les llegó a las creadoras del blog, pero por suerte se libraron de pagar el abusivo impuesto gracias a que getDigital intercedió y sacó la billetera. Pero tanto las compañías como las chicas firmaron, por exigencias de la agencia de fotografía de stock, la condición de que nunca hablarían de aquel acuerdo.

No es la primera (ni la última) vez que pasa

No, ni la primera vez que una compañía funciona como agente troll en los juzgados mercantiles, ni tampoco Getty Images es el pionero en materia de lanzar la bola curva del copyright con respecto a un meme famoso.

Lo que sí es cierto es que los de Getty tienen mucha experiencia en esto de abusar de los internautas que emplean sus imágenes, aunque estos no tengan, claramente, ninguna intención de sacar rédito económico alguno, apenas acompañar los textos de sus páginas. Sólo en este hilo ya hay varias personas que se lamentan por haber recibido la misma amenaza de persecución jurídica por parte de Getty que recibieron las Geek Girls en caso de no desembolsar esos casi 900 dólares por fotografía. Y no son pocos los sitios que definen su táctica como estafa o extorsión, aunque, la verdad sea dicha, exageran un poco: las acciones de Getty son perfectamente lícitas.

Volviendo con los memes, Know Your Meme lleva un registro público de todas las ocasiones en las que algún agente ha hecho una solicitud de exigencia de derechos de autor por memes famosos, entre los que se incluyen Good Girl Gina, Scumbag Stacy o Sheltered College Freshman.

Marco legal: propiedad intelectual, obra derivada y parodia

Carlos Sánchez Almeida, abogado especializado en la Defensa de los Derechos Civiles en Internet e integrante del bufete Almeida en Barcelona nos lo cuenta. Se trata de demostrar, primero, si la foto tiene relevancia como obra fotográfica.

“Las fotografías se presentan ante un doble régimen, bien entrando a la categoría de fotografía normal, lo que se conoce como ‘simples fotografías’, o como obra relevante, que se denomina ‘obra fotográfica’. Las simples fotografías no tienen una protección especial en cuanto a Ley de Propiedad Intelectual, y para que adquirieran los derechos de lo que reclama Getty deberían tener un plus de creatividad. Tal y como yo lo veo, esta foto probablemente no ostente este grado de autoría”.

Otro punto a tratar sería si nuestro querido pingüino es, o no, una parodia. “La delimitación de este ambiguo término se recogió el 3 de septiembre de 2014 por el Tribunal de Justicia de la Unión Europea en una sentencia en la que se dispuso que, al no existir una definición de la excepción de parodia, la misma debe interpretarse conforme al lenguaje común. Para que nos entendamos, la parodia tiene que evocar una obra preexistente siempre que se diferencie perceptiblemente de la original”.

La sentencia del TJUE también reclamaba que, para que una obra de parodia se tipificase como excepción al derecho de autor, debe suponer una manifestación humorística. Los memes han acabado englobados bajo el concepto weapon parody, un tipo de humor que utiliza “la obra original para hacer crítica o burla de otra cosa que no sea la obra original en sí misma”. Para Sánchez Almeida, ambos atributos los cumplen ampliamente los memes, y en el caso concreto del meme de nuestra ave marina favorita, “no se inflige daño a la obra original”.

Ojito con memegenerator. Ojito con TODO

Para Sergio Carrasco Mayans, abogado especializado en Derecho de las Nuevas Tecnologías y en Derecho Público, sin embargo no es tan sencillo. Aunque se trate de una obra derivada del contenido original, en España el meme no entraría dentro de la categoría de parodia porque no podría aplicarse. “En los memes normalmente no estás haciendo mofa sobre la obra original, sino que estás manipulando ese contenido para tus propios intereses, así que, aunque a una imagen le incorpores un fondo distinto y una frase graciosa, sigues vulnerando el derecho de propiedad intelectual del autor original”.

Carrasco, además, avisa de la problemática de la situación actual: “no somos demasiado conscientes, pero esta misma infracción se comete también al compartir fragmentos de videos e incluso de GIFs”. ¿GIFs de Juego de Tronos? ¿Montajes graciosos de lo que se ha hecho en el último Late show? Todo eso es perseguible. Siempre que puedas demostrar quién ha compartido eso y que los creadores tengan interés en ir a por los internautas. ¿Estás ahora mismo borrando aquel post con una foto de Boromir que subiste a Facebook en 2010? Espera un segundo.

Los memes son más importantes que la fuente de la que nacen

Sintiéndolo mucho por aquellos fotógrafos que fueron al Polo Sur a fotografiar a los pingüinos o por los suertudos que recogen de un disparo a los runners más guapos de la tierra, es la multiplicación y propagación en Internet lo que hace que tu obra sea relevante, y en muchos casos es mejor contentarse con la fama que se puede lograr a través de la memeización de tu imagen que andar censurando una red inabarcable. La frase “cuando triunfas es cuando te plagian” tiene aquí máxima coherencia.

Sergio Carrasco opina esto mismo. “Vivimos en una red totalmente llena de infracciones de la propiedad intelectual, pero que están toleradas por los creadores en su mayoría. Los autores suelen comprender que el meme lo que les da es difusión y con ello la fama, pero claro, si el autor ha cedido sus derechos, como en el caso de Getty, es la página de fotos de Stock quien debería dar su consentimiento. Y en el caso de las blogueras alemanas, parece que no lo ha dado”.

Eso sí, más peliagudo es el tema de convertirte tú mismo en un meme. Son los casos de la Novia Demasiado Apegada o del Chico que sólo quería que dejásemos en paz a Britney. Dos héroes de tantos.

En conclusión: además de por todo lo expuesto, para Sánchez Almeida la acción de Getty es abusiva por otra razón. “Este tipo de reclamaciones terminan por coartar la creatividad de la propia red. Cuando ves que se persigue a ciertos sujetos por intercambiar expresiones en uno u otro formato, la gente tendrá miedo de que vayan también a por ellos, y por tanto, es posible que dejes de participar en esa dinámica y que así coartes la libertad natural de la red”.

Todo esto está muy bien, pero…

¿De verdad me pueden denunciar por usar el meme de Julio Iglesias?

Sí, técnicamente es posible, aunque la persona que lo hiciera tendría que ser un pequeño capullo. Como nos cuenta Sánchez Almeida, Julio Iglesias en persona no tendría las de ganar en un juicio al tratarse de una persona con un derecho de imagen algo mermado (es lo que pasa cuando eres una figura pública). El autor de la foto probablemente tampoco, en primer lugar, porque su misma foto adolece de suficiente autoría (es, en sí misma, una especie de parodia de la clásica imagen del Tío Sam), y en segundo porque no se hace con esto ningún daño a la obra original. ¿Entonces quién podría ser?

Un tercer agente. Algún individuo que decidiera sacar algo que es ya de dominio público e intentara adquirir sus derechos. Es entonces cuando los jueces tendrían que delimitar si hay suficiente legalidad para que ese particular adquiriese los derechos, siempre analizando cada caso de manera diferenciada por lo amplio de la legislación a este respecto, y, entonces ya sí, el poseedor de los derechos de imagen podría perseguir a aquellos que durante los años venideros (ya sabes, no hay carácter retroactivo) se dediquen a usar uno de los mejores memes de los últimos tiempos. Ah, y si has leído esto como una oportunidad para forrarte a costa de los demás, es que tienes un problema.

¿Cuál es una buena respuesta contra toda esta ignominia?

Pues la misma que dieron las propias hermanas Geek, que, insurrectas, decidieron no seguir las órdenes de lo que habían dictado en el juzgado y alzaron su voz contra el abuso de la agencia de fotos (de hecho, si no fuera por su atrevimiento, nunca nos hubiésemos enterado). En su carta decían así:

“He aquí la razón por la que es imposible encontrar ninguna información sobre este caso en Internet: Getty se dedica a contactar con abogados para forzar a los afectados a mantener secreto de sumario y pagar el reclamo. Probablemente la mayoría de blogueros preferirá pagar el impuesto y no volver a hablar del tema cediendo a la presión de la situación. Parece ser que esta fórmula les ha funcionado muy bien con los demás, pero no lo hará con nosotras.

Hemos pagado la tarifa de la licencia, así como hemos eliminado la mencionada imagen. Incluso llegamos a firmar un acuerdo por el que no volveríamos a usar la imagen del Pingüino socialmente inadaptado nunca más. Además de todo esto, aún estamos a la espera de recibir el correo de los abogados de Getty. Y no retrocederemos a la hora de seguir informando de la evolución de nuestro caso.

Os damos un consejo: visto lo visto, tal vez no sea buena idea usar al Pingüino socialmente inadaptado, por lo menos no el oficial de Getty, y por eso hemos creado una nueva versión del pingüino que lanzamos al dominio público. Aquí lo tenéis:”

El mensaje de las alemanas parece bastante claro: Internet está sumida en la cultura de la remezcla, y eso es totalmente cierto. Es evidente que el Pingüino no es importante por la desmedida calidad de la fotografía que George F. Mobley hizo en 2009, ni tampoco que su mérito venga, de ninguna forma, provocado por incluirse en el stock de Getty, sino que viene por todos esos internautas pseudo anónimos que forman los memes, por los que los propagan y por los que crean nuevas versiones de ellos.

Así que, mientras las empresas sigan ancladas en planteamientos jurídicos ajustados a un mundo pre-Internet y asalten el ecosistema de la red exigiendo acciones que nada tienen de lógico en este nuevo entorno, muchos verían bien que le dieras a estos agentes un poco de medicina de la web. Pero si, como nosotros, no te atreves a enfrentarte a una querella contra Getty (o cualquier empresa de stock de fotos), tienes otra serie de pasos que seguir en caso de no querer pagar el montante sin más:

1. Elimina la imagen
2. Escribe una carta cordial. En ella, pide disculpas por las (posibles) molestias y expón tu inocencia. Tú no sabías nada.
3. Si te vuelven a exigir el pago de la multa, deberás tener en cuenta que la técnica es la del desgaste, para que elijan desestimar su denuncia. Los ingresos que estas compañías logran por la vía de la demanda funciona por volumen de facturas y tu foto, en realidad, no les importa demasiado. Escribe que la cantidad que te reclaman se extralimita sobremanera a tus finanzas, y que querrías un nuevo precio más ajustado. También pide en esa una serie de datos para justificar que tienen razón en su denuncia.
4. Si insisten, debes tener en cuenta que el infractor (tú) sólo es responsable de los daños basados ​​en el valor de mercado de la imagen, no el precio de venta. 900 dólares por una foto es una barbaridad, y no te costará nada buscar una foto similar a la que has usado tú en otras webs privadas de stock de fotos con precios más bajos. Por ejemplo, cantante setentón de balada sonriente: 20 euros. Busca en varios sitios y elabora un promedio.
5. ¿Siguen en sus trece? Envía alguna carta más insistiendo en ideas anteriormente expuestas. Más información que demuestre que tienen jurisprudencia, comparar el precio de otras fotos de su misma plataforma menos costosas... Lo ideal es que, para este momento hayan desistido, pero de no ser así, sólo te queda pagar o acudir a un abogado.

Y nada, que si los propietarios de las fotos de Juan Carlos Monedero, Sean Bean o Matías Prats deciden denunciarnos, desde Magnet nos comprometemos a cubrir el caso en vivo.

Es fascinante conocer todos los avances que nos muestra la tecnología, donde muchos de ellos han sido creados para mejorar nuestra vida e interacción con otras personas, cada noticia que nos muestra un importante avance tecnológico es como una mirada al futuro, un futuro donde los robots son parte esencial de nuestra sociedad y han sido creados para servirnos.

Bajo esta idea utópica de sociedad automatizada es como muchos imaginan el futuro, pero pocos se detienen a pensar en los efectos colaterales de ese "mundo del futuro". Sí, los robots harán muchas de las labores que hacemos actualmente, esto significa más tiempo libre para otras actividades recreativas, pero también menos fuentes de trabajo. Es así como surge un corto animado, que nos muestra una interesante visión de cómo será el mundo, cuando los robots posean todos los puestos de trabajo necesarios en una sociedad.

El último trabajo en la Tierra

Alice es aparentemente como cualquier otra persona, tiene un gato robot, un espejo que la pone al día de las noticias más relevantes, así como de un rápido examen para estar al tanto de su salud. Una máquina la diagnostica y le otorga medicinas, un tratamiento para su enfermedad de forma inmediata; la publicidad es personalizada y por supuesto cuenta con un coche autónomo, pero lo que hace a Alice distinta a los demás, es que ella aún posee un trabajo tradicional, el último de la Tierra.

Esta es la premisa que nos presenta el corto 'The Last Job on Earth' creado por el estudio de animación The Moth Collective para un interesante artículo en The Guardian, donde precisamente se plantea la idea de una sociedad operada por robots, lo que traería grandes consecuencias, ya que la gente simplemente no tendría dónde trabajar ni dinero para sobrevivir.

Los investigadores Carl Benedikt Frey y Michael Osborne, de la Universidad de Oxford, presentaron en 2013 su estudio "El futuro del Empleo", donde aseguran que casi la mitad de todos los puestos de trabajo serán automatizados en un periodo de entre tres o cuarto décadas, pero Paul Mason, autor del artículo en The Guardian, dice que aunque la automatización es algo inevitable, no hay por qué temer, es una evolución inevitable que ha comenzado con el teletrabajo, un cambio en el modelo económico que se nos presentará como una tercera revolución industrial.

Por supuesto, este cambio radical afectará a unos más que a otros, pero hacia allá se dirige nuestra sociedad nos guste o no, así que sólo nos queda estar preparados.

Más información | The Guardian

Hace unas horas Lena Dunham le leía la cartilla a Tentaciones desde su cuenta de Instagram. La revista de tendencias de El País había impreso una imagen de portada en la que, según la artista, salía con un nada disimulado photoshopeo. El enojado estado de Lena Dunham dice así:

¡Ey, hola El País! Me siento especialmente honrada de salir en vuestra portada como lo estoy de que hayáis pedido la licencia de una foto de @ruvenafanador, quien siempre me hace sentir increíblemente guapa. Pero este NO es el aspecto que tiene mi cuerpo, o el que tendrá nunca (la revista ha hecho un uso que va más allá del estándar de photoshop). Así que, si de verdad os interesa lo que hago, ¿por qué no ser honestos con los lectores? Con cariño, Lena. Crédito a @peguerillo_ por enviarme la foto de la foto".

Oh hello El Pais! I am genuinely honored to be on your cover and so happy you licensed a pic by @ruvenafanador, who always makes me feel gorgeous. BUT this is NOT what my body has ever looked like or will ever look like- the magazine has done more than the average photoshop. So if you're into what I do, why not be honest with your readers? Much love, Lena. credit to @peguerillo_ for this 📸 of a 📸

Una foto publicada por Lena Dunham (@lenadunham) el 29 de Feb de 2016 a la(s) 5:22 PST

El País ya ha respondido, declarando que ellos habían utilizado una imagen sin retocar (cosa que, según cuentan, no hacen nunca) de una foto adquirida de una sesión realizada por Dunham en 2013 con el fotógrafo Ruven Afanador y publicada en su momento por Entertainment Weekly. El original al que se refieren desde el periódico español puede verse en la página de Facebook del fotógrafo, aunque lo que no sabemos es si la misma foto subida por Afanador sufrió entonces, o no, los pertinentes retoques.

Por supuesto, el problema no son las, al parecer, desafortunadas acusaciones de Dunham contra Tentaciones, sino comprender por qué es posible que Dunham vea una portada de una revista de tendencias y no se sienta identificada consigo misma. Tal vez, porque estas personalidades están tan acostumbradas a sufrir la modificación de sus cuerpos que casi cualquier proyección del mismo estará en entredicho.

Dunham no ha sido, ni mucho menos, la primera

Asistimos recientemente a otro episodio de denuncia instagramera en territorio nacional cuando Inma Cuesta se despertaba, esta vez sí, viendo cómo le habían estirado el cuello, limado el brazo y achicado las caderas. Como si de una muñeca de plastilina se tratara. “Verte y no reconocerte”, criticó en su momento a El Periódico por la portada para la que la habían fotografiado. Y aunque Cuesta era la primera actriz española en criticar el abuso de la herramienta de edición, hay a lo largo de la historia reciente de los medios una larga lista de figuras públicas que, lejos de permanecer calladas ante la modificación de sus imágenes, no dudan en saltar a la palestra para defender su imagen natural.

Verte y no reconocerte, descubrir que tu imagen está en manos de personas que tienen un sentido de la belleza absolutamente irreal. Imagino que era necesario resaltar el azul cobalto del vestido, quitar algunos pliegues del mismo y subir los niveles de luz para hacer brillar más mi piel, pero no entiendo la necesidad de retocar mi cuerpo hasta dejarme casi en la mitad de lo que soy, alisar mi piel y alargar mi cuello hasta convertirme casi en una muñeca sin expresión. No es la primera vez que pasa, pero esto sobrepasa los límites de la realidad y me avergüenza. La foto de la derecha fue sacada con mi móvil directamente del ordenador en la sesión de fotos, yo al completo, sin trampa ni cartón, Inma entera, la de al lado es una invención, es eso que se supone que debería ser... los "cánones" de belleza que "deberíamos" seguir, no me acompleja, no lo entiendo como una señal de lo que lo debería ser, sencillamente me indigna como mujer y me hace reflexionar muy seriamente hacía dónde vamos y reivindicar con fuerza la necesidad de decidir y defender lo que somos, lo que queremos ser independientemente de modas, estereotipos o cánones de belleza.

Una foto publicada por Inma Cuesta (@inmakum) el 10 de Oct de 2015 a la(s) 11:25 PDT

A mediados de los 2000, la época dorada del retoque por Photoshop, Kate Winslet denunció públicamente que para su última portada para GQ habían adelgazado sus piernas en casi un tercio. Un año más tarde, en 2004, Keira Knightley se quejaba de los pronunciados retoques que los responsables habían hecho sobre su cuerpo cartel promocional de la película 'El Rey Arturo'. Saltamos a 2013, cuando H&M se jugó perder la campaña acordada con Beyoncé por haber reducido el cuerpo de la cantante generosamente, cosa que a Queen B no le sentó nada bien y logró el repudio público de la acción de la marca textil sueca.

Ashley Benson, Zendaya, Lorde… son muchas más las que han sumado críticas al abuso del retoque de los editores fotográficos, con el permiso tácito de las cabeceras que llegan a millones de mujeres en todo el mundo. Pero también son muchos los medios que se aprovechan de la corriente contraria para publicar las imágenes originales de estas celebridades y descubrir la falacia, defendiendo la notoriedad del hecho como denunciable aunque la publicación pase para ello por encima del consentimiento de las fotografiadas. Jezebel tiene un historial de desmontaje de sesiones fotográficas, como con la mismísima Dunham, a la que descubrieron dando el visto bueno en una portada con un uso del Photoshop cuando menos, limitado.

El otro uso del Photoshop del que no somos conscientes

Aunque las celebrities más reconocibles para la cultura popular suelen sufrir los efectos de la reducción de su figura, existe también otra realidad no tan comentada. El retoque fotográfico por excelencia suele hacer engordar a muchas modelos de pasarela. Dentro de sus intentos por alcanzar la perfección dentro del ideal de belleza propuesto por el mundo de la moda y la publicidad, muchas de estas jóvenes terminan teniendo un cuerpo demasiado delgado o poco sano para poder mostrarse tal y como es.

Robin Derrick, director creativo de Vogue, decía así: “Me he pasado 10 años de mi carrera haciendo parecer a las chicas delgadas, y en los últimos 10 haciéndolas parecer más grandes”. Pero no es, ni de lejos, la única cabecera de tendencias en caer en el uso del llamado reverse-Photoshop, Leah Hardy de Cosmopolitan, Alexandra Shulman de la Vogue británica, Nicky Eaton de GQ y Glamour han hecho alegaciones similares. Entre las declaraciones que Derrick hizo a Huffington Post hace un par de años sobre el tema, este extracto es especialmente iluminador:

Sabíamos que nuestros lectores sentirían repudio por estas mujeres grotescamente delgadas, y también sabíamos que lanzaríamos un mensaje negativo e irresponsable de mostrar esos cuerpos como son en realidad. Pero ahora me pregunto si, por culpa de nuestros retoques, la gente verá esas imágenes de mujeres muy, muy delgadas y pensará… ¿Cómo es posible que se vea tan genial? Es decir, eran cuerpos femeninos con cinturas de 55 cm, pero con unos pechos generosos y una piel fantástica. Con unos diminutos y adorables tobillos y unos muslos delgados pero con un pelo estupendo y unas mejillas llenas”.

Gracias a los retoques los lectores nunca ven la horrible verdad de la extrema delgadez. Que estas modelos infraalimentadas no tienen nada de glamouroso al natural. Que sus cuerpos esqueléticos y su pelo adelgazado y sin brillo, con manchas por todo su cuerpo y ojeras kilométricas pasaban mágicamente, gracias a la tecnología, con un aura de extremidades juguetonas y ojos de Bambi”.

Mujeres y revistas que contraatacan contra los estándares

Esta idea expresada por Dererick es la más clara manifestación de hasta dónde llega la política del control de la imagen física, especialmente de la femenina, en la obsesión por su objetivización. De unas empresas que no buscan promover tanto el ideal de belleza como más bien el control en todas las facetas del aspecto físico y la educación en el empleo de una gran parte de su tiempo y recursos en esta faceta que, evidentemente, le viene de perlas a la gigante industria que tiene detrás. Contra eso es que actrices y modelos han clamado públicamente, defendiéndose de los abusos promoviendo condiciones como la “cláusula de no-photoshop” de la que han hecho gala Marion Cotillard, Coco Rocha o Vanessa Hudgens entre otras.

Aunque casi todas las revistas piden disculpas públicamente cuando les pillan en una de estas, son también las mismas publicaciones de moda las que promueven de vez en cuando una visión más natural del cuerpo femenino. Son los casos de la francesa Elle, que en 2009 mostraba a una Monica Bellucci sin retocar o maquillar, o la Harper’s Bazaar de 2010, que retrataba a una Kim Kardashian 100% real. También en la reciente campaña de Pirelli (ya sabes, el almanaque de un fabricante de neumáticos que lleva décadas desnudando a mujeres y marcando la evolución de la imagen del deseo masculino) mostraban a Patti Smith, Serena Williams y Amy Schumer entre otras en unas únicas imágenes de Annie Leibovitz en las que no se perseguía la mejor postura o el mejor efecto lumínico desde el punto de vista de la estética dominante.

Más allá ha ido incluso Verily, una revista sobre moda que, entre su Declaración de Principios, incluyen la idea de no publicar ningún apoyo visual en el que el cuerpo femenino quede retocado. "Mientras que otras revistas alteran artificialmente imágenes en Photoshop para lograr lo que se conoce como "cuerpo ideal" o para dejar un máximo de tres arrugas, nosotros nunca alteraremos la estructura del cuerpo o de la cara de nuestras modelos".

El verdadero rostro de la denuncia

El problema, como habrás notado, es que siguen siendo prácticas aisladas y segregadas a lo largo de los ciclos de tendencias mediáticas para darle el puntual añadido de interés a la campaña. Este “nuevo maquillaje feminista”, según palabras Suzanne Moore para un editorial en The Guardian en referencia a las fotos de Leibovitz para Pirelli, permite el aplauso para con las cabeceras por mostrar a esas “mujeres reales” de vez en cuando mientras la industria cosmética sigue sistemáticamente creando una ideología de la imperfección del cuerpo femenino (que es, en el fondo, su razón de ser y su nicho de mercado) y las cabeceras de las revistas no cesan de insertar su publicidad y contenidos afines a esta doctrina.

Todos alguna hemos visto o conocemos algo acerca de los pedales de efectos, que, como su nombre lo indica, sirven para traer un nuevo sonido y efectos a distintos instrumentos, como por ejemplo la guitarra eléctrica, que es donde su uso se ha popularizado desde hace varios años.

Existe una gran gama de pedales, desde los más básicos hasta los más avanzados y únicos, que surgen de la mente de algún músico o curioso que busca obtener algo fuera de lo normal. Algunos guitarristas suelen usar uno o dos pedales, e incluso una serie de varios modelos que se complementan entre sí, pero seguramente nunca nos habíamos preguntado qué sucedía si unimos todos estos pedales y los activamos al mismo tiempo, pues alguien si tuvo esa grandiosa idea y ahora veremos cuál es el resultado.

Un sonido fuera de este mundo

Juan Alderete, el famoso bajista de The Mars Volta y otras bandas, abrió en 2012 su sitio web Pedals And Effects, donde hace análisis de todo tipo de pedales de efectos, configuraciones y hasta raros experimentos como el que veremos a continuación, donde pone al límite el poder de 100 pedales, con la idea de recorrer el más extraño y desconocido de los territorios.

El experimento lo hace en compañía del vocalista de Tera Melos, Nick Reinhart, mostrando por medio de un interesante vídeo explicativo las características de cada pedal, además veremos parte del proceso para conectarlos entre sí, así como el alucinante sonido que se consigue al activar todos al mismo tiempo, algo realmente espectacular.

El vídeo tiene una duración de 20 minutos, pero si quieren saltar a la parte donde activan los 100 pedales, entonces pueden ir directamente al minuto 16.

Más información | Pedals And Effects En Magnet | De Nirvana a The Beatles, este monstruo de la batería toca discografías en sólo 5 minutos